Mode et homosexualité

Tout au long du vingtième siècle, les vêtements ont été utilisés par les lesbiennes et les homosexuels comme moyen d'exprimer leur identité et de se signaler les uns aux autres.

Le travestissement masculin

Même avant le vingtième siècle, le travestissement et le travestissement chez les hommes étaient associés à l'acte de sodomie. Au XVIIIe siècle, de nombreuses villes d'Europe avaient développé des sous-cultures homosexuelles petites mais secrètes. La sous-culture homosexuelle de Londres était basée sur des auberges et des pubs où les mollies se rassemblaient. Beaucoup de mollies portaient des vêtements pour femmes à la fois comme une forme d'auto-identification et comme moyen d'attirer des partenaires sexuels. Ils portaient des robes, des jupons, des couvre-chefs, de fines chaussures à lacets, des foulards à fourrure et des masques ; [et] certains avaient des chaperons ; les unes étaient habillées comme des laitières, d'autres comme des bergères avec des chapeaux verts, des gilets et des jupons ; et d'autres avaient le visage rapiécé et peint (Trumbach, p. 138).

• George (Beau) Brummell
• Mode et Identité
• Marcel Proust

Les homosexuels masculins ont continué à se travestir dans les espaces publics et privés tout au long du XIXe siècle. Dans les années 1920, les drag balls de Harlem offraient un espace sûr aux hommes gais (et lesbiennes) pour se travestir. De même, les Arts Balls des années 1950 à Londres offraient une opportunité refusée dans la vie de tous les jours. Les artistes travestis, communément appelés drag queens, utilisaient des vêtements de femmes pour parodier la société hétéro et créer un humour gay. L'un des plus grands artistes de drag américain était Charles Pierce, qui a commencé sa carrière dans les années 1950 et était surtout connu pour ses imitations de stars de cinéma telles que Bette Davis et Joan Crawford. La tradition a été perpétuée par des artistes de drag gay tels que les artistes américains Divine et RuPaul et la star de la télévision britannique Lily Savage.

Efféminement

Le fonctionnaire nu

Les homosexuels manifestes, qui ne voulaient pas aller jusqu'à se travestir, adoptaient parfois les signifiants les plus évidents des manières et de l'habillement féminins : sourcils épilés, fard à joues, maquillage des yeux, cheveux blond peroxyde, chemisiers à talons hauts. En Amérique, il était illégal pour les hommes (et les femmes) de se travestir à moins d'assister à une mascarade. Au moins trois vêtements devaient être adaptés au sexe. Adopter une telle apparence était dangereux, car il était risqué d'être ouvertement homosexuel. Dans son autobiographie, Le fonctionnaire nu (1968), Quentin Crisp se souvient avoir été arrêté à plusieurs reprises par la police en raison de son apparence efféminée. Cependant, les risques en valaient la peine pour beaucoup. S'habiller en reine flamboyante était un moyen d'entrer dans la sous-culture de la société gay. De plus, en adoptant des caractéristiques féminines et en adhérant à des règles strictes de comportement sexuel sexué, les reines pourraient attirer des partenaires sexuels prétendument normaux et hétérosexuels. L'adoption de codes vestimentaires efféminés a commencé à décliner avec la montée de la libération des homosexuels, mais a continué à jouer un rôle dans la vie des homosexuels.

Masculinité et robe lesbienne

À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, l'adoption de vêtements masculins était un moyen pour de nombreuses femmes, dont de nombreuses lesbiennes, de protester contre le statut de la femme et les rôles que lui assignaient les sociétés patriarcales. Le travestissement avait été et continuait d'être utilisé par les femmes pour leur permettre de passer pour des hommes et d'être acceptées. Certains, comme l'écrivain George Sand et la peintre Rosa Bonheur, ont utilisé ces méthodes pour que leur travail professionnel soit pris au sérieux. La période entre les deux guerres mondiales a vu une augmentation de la visibilité lesbienne. La robe lesbienne masculinisée typique de l'époque est caractérisée par le col cassé, le monocle et la veste d'homme portés par Lady Una Troubridge (amante de Radclyffe Hall, auteur de Le puits de la solitude ) dans son portrait par Romain Brooks. En Amérique, des interprètes lesbiennes telles que Ma Rainey et Gladys Bentley portaient un haut-de-forme et une queue d'homme pour exprimer leur identité, tandis que les stars de cinéma bisexuelles Greta Garbo et Marlene Dietrich portaient des vêtements masculins à la fois à l'écran et hors écran.

Jusqu'aux années 1970, l'image publique des lesbiennes était très centrée sur la masculinité. Comme moyen d'affirmer la différence et de signaler aux autres lesbiennes, de nombreuses femmes aimant les femmes ont adopté certains marqueurs masculins , tels qu'un col et une cravate ou un pantalon. En Amérique, il était illégal pour les femmes de s'habiller complètement avec des vêtements pour hommes, et elles devaient porter trois vêtements pour femmes (Nestlé, p. 100). La réaction du public n'était pas sympathique envers les lesbiennes butch . L'écrivaine et militante lesbienne américaine Joan Nestlé a marché dans les rues avec un air tellement coquin que les adolescents hétéros la traitaient de bulldyke (Nestlé, p. 100).

Toutes les lesbiennes ne se sentent pas attirées par l'adoption de vêtements masculins, préférant plutôt des vêtements féminins plus conventionnels : maquillage, chaussures à talons hauts et jupes. De nombreux récits de la vie dans un bar lesbien notent la prévalence des identités et des comportements butch et femme , où les lesbiennes butch étaient censées nouer des relations uniquement avec des femmes lesbiennes, et les lesbiennes devaient s'identifier à un rôle ou à l'autre.

Signifiants subtils

L'illégalité de l'homosexualité et la désapprobation morale qu'elle a suscitée ont forcé les homosexuels et les lesbiennes à vivre des vies pratiquement invisibles dans la première partie du vingtième siècle. Jusqu'au mouvement de libération des homosexuels de la fin des années 1960, le critère le plus important pour s'habiller en public, pour la masse des homosexuels et des lesbiennes, était de pouvoir passer pour hétérosexuel. Malgré ce besoin, beaucoup étaient au courant des codes vestimentaires et des articles qui pourraient être utilisés pour signaler l'orientation sexuelle. Ces symboles identitaires prenaient souvent la forme d'un type ou d'une couleur spécifique d'accessoire et, comme d'autres symboles secrets, se développaient et changeaient au fil du temps. Le signifiant principal au moment des procès d'Oscar Wilde dans les années 1890 était l'œillet vert. En effet, la couleur verte avait été associée aux macaronis efféminés et parfois sodomiques des années 1770 et a continué à avoir des associations homosexuelles dans les vêtements tout au long de la première partie du XXe siècle. George Chauncey note que dans les années 1930 à New York, les costumes verts étaient l'insigne des pensées ouvertes. D'autres signifiants pour les hommes gais comprenaient une cravate rouge (portée à New York avant la Seconde Guerre mondiale) et des chaussures en daim (l'un des signifiants gais les plus internationaux et les plus durables). Les signifiants lesbiens comprenaient des accessoires tels que des cravates et des boutons de manchette, des coupes de cheveux courtes (en particulier la culture Eton des années 1920) et la couleur violette.

Révolution de la mode masculine

Pendant la révolution de la mode masculine des années 1960, l'association de la mode et de l'homosexualité a commencé à s'estomper. Avec l'essor de la mode sous-culturelle et la diffusion de la mode de Carnaby Street à travers le monde, il était soudainement acceptable pour les jeunes hommes de s'intéresser à la mode et de consacrer du temps et de l'argent à des vêtements et à une apparence. Les vêtements de Carnaby Street ont d'abord été vendus à une clientèle gay théâtrale et artistique par un ancien photographe de physique du nom de Vince dans un magasin près de Carnaby Street. John Stephen, qui devait plus tard être connu sous le nom de King of Carnaby Street , avait travaillé dans la boutique de Vince et produit les vêtements plus rapidement, moins cher et pour un marché plus jeune. En Amérique aussi, un style européen bien ajusté. porté principalement par des hommes homosexuels, a été vendu dans des boutiques à Greenwich Village, New York, et West Hollywood à Los Angeles.

Les hommes gais et la masculinité

À la fin des années 1960, les lesbiennes et les homosexuels du monde occidental ont commencé à remettre en question leur position de citoyens de seconde zone et leur stéréotype de reines efféminées ou de gouines butch . Parallèlement aux revendications d'égalité et de reconnaissance, les lesbiennes et les gais ont commencé à se préoccuper de leur apparence. Il y a toujours eu des hommes homosexuels qui s'habillent dans un style masculin conventionnel, mais au début des années 1970, les hommes homosexuels de New York et de San Francisco se sont tournés vers les incarnations de la masculinité américaine - le cow-boy, le bûcheron, l'ouvrier du bâtiment - pour trouver l'inspiration pour un nouveau style vestimentaire. Les clones, comme on les appelait, ont adopté les symboles vestimentaires les plus masculins qu'ils pouvaient trouver - bottes de travail, Levi's serrés, chemises à carreaux, coupes de cheveux courtes et moustaches. Leurs vêtements ont été choisis pour révéler et célébrer les contours du corps masculin.

Certains clones ont également développé leurs goûts sexuels en expérimentant le sadomasochisme. Par conséquent, ils adoptent parfois une apparence et un mode de vie cuiristes , ce qui implique une codification stricte de l'habillement et un nouveau système de signifiants, notamment des mouchoirs de couleur dans une poche arrière, spécifiant des intérêts sexuels particuliers. L'image hypermasculine a continué d'être importante même après la mort supposée du clone à la fin des années 1980, lorsque l'image est devenue associée à une génération plus âgée d'hommes homosexuels pré-SIDA. Les hommes homosexuels ont interprété et démontré leur apparence masculine à travers la célébration de corps et de vêtements musclés de gym qui mettent en valeur ces corps, ainsi que l'émergence d'autres styles sous-culturels masculins tels que le crâne rasé, les bottes et les bretelles, mais pas skinhead forcément raciste.

Style lesbien post-libération

Personne androgyne

L'avènement des mouvements des droits des femmes et des homosexuels a conduit à une remise en question des choix vestimentaires stéréotypés auparavant disponibles pour les lesbiennes. Les pantalons étaient devenus de plus en plus acceptables pour les femmes à partir des années 1950, et au cours des années 1960, il est devenu plus difficile d'identifier les lesbiennes sur la base du port de pantalons. Androgynie est devenu un mot clé dans la mode, et cela s'est manifesté de diverses manières. Initialement, le mouvement était vers un look féminin pour les hommes, mais la communauté lesbienne et gay radicale l'a rejeté en faveur d'un look plus masculin pour les hommes et les femmes.

La montée du féminisme radical a vu un rejet de la féminité forcée par la mode. Des chaussures plates, des pantalons amples, des jambes non rasées et des visages sans maquillage indiquaient clairement qu'il ne fallait pas s'habiller pour les hommes. La politique féministe radicale des années 1970 a poussé cela à l'extrême lorsqu'un nouveau stéréotype est né - celui de la féministe lesbienne en salopette et coupe ras du cou.

Les années 1980 et 1990 ont vu une nouvelle diversification dans la robe lesbienne. L'effondrement des vieilles divisions entre butch et femme, les changements provoqués dans l'habillement des femmes par le féminisme et le punk, et la visibilité croissante des lesbiennes dans la vie publique ont ouvert le débat sur ce que les lesbiennes pourraient et devraient porter. L'un des développements les plus significatifs a été l'apparition du rouge à lèvres lesbien (également connu sous le nom de glamour ou designer dyke). Les styles vestimentaires ont marqué un éloignement des styles traditionnels butch ou féministes radicaux et ont permis aux femmes homosexuelles de développer un look urbain à la mode qui combinait des signifiants de lesbianisme ou de masculinité avec des vêtements féminins à la mode. Cependant, les critiques ont accusé les lesbiennes au rouge à lèvres de se cacher derrière un masque d'hétérosexualité.

L'industrie de la mode

La forte proportion d'hommes homosexuels qui ont travaillé dans les domaines créatifs de la mode et les industries du théâtre et des services, telles que la restauration, a été bien documentée par des historiens tels que Ross Higgins, dont l'étude a mis en évidence l'implication des hommes homosexuels à tous les niveaux de la mode. l'industrie à Montréal.

Tout au long du vingtième siècle, de nombreux créateurs de mode haut de gamme étaient homosexuels, même si la pression sociale les appelait à garder leur sexualité silencieuse, voire secrète. En effet, bon nombre des plus grands noms de la mode du XXe siècle étaient homosexuels ou bisexuels, notamment des personnalités telles que Christian Dior, Cristobal Balenciaga, Yves Saint Laurent, Norman Hartnell, Halston, Rudi Gernreich (qui fut l'un des membres fondateurs du premier organisation homophile, la société Mattachine), Calvin Klein et Gianni Versace.

Alors que les créateurs succédaient aux tailleurs traditionnels et aux pourvoyeurs pour hommes dans la mode masculine, une nouvelle influence gay est devenue évidente. Parce que les hommes gais étaient souvent plus disposés à expérimenter de nouvelles idées, styles et tissus dans les vêtements, des créateurs tels que Jean-Paul Gaultier ont commencé à regarder ce qui se passait au niveau de la rue et dans les clubs gais pour trouver des idées pour leurs collections pour hommes. De plus, les hommes homosexuels achetaient des vêtements influencés par une esthétique homosexuelle et orientés vers cette esthétique.

L'avènement de l'homme nouveau (en tant qu'icône médiatique) dans les années 1980 était le résultat de la réaction des hommes aux changements sociaux majeurs provoqués par une deuxième vague de féminisme. En conséquence, il est devenu acceptable pour les hommes hétérosexuels de s'intéresser à leur apparence, leurs vêtements et leurs produits de soins. De nouveaux magazines destinés à un consommateur masculin hétérosexuel plus large ont été publiés, mais même ici, une influence gay pouvait être perçue. Ce n'était pas seulement que les créateurs gays créaient les looks, mais les stylistes, les coiffeurs et les photographes gays exerçaient tous une influence sur la mode. Par exemple, le styliste Ray Petri (présenté dans Le visage, i-D , et Sable magazines) s'est inspiré des looks qu'il a vus dans les clubs gays pour créer un tout nouveau style connu sous le nom de Buffalo. Le style Buffalo a habillé des modèles en noir et blanc, homosexuels et hétérosexuels dans un mélange improbable d'éléments tels que des shorts de cyclisme, des vestes de vol, des jupes, des chapeaux et des bottes.

Le début des années 90 a vu l'avènement du chic lesbien dans le monde de la mode. Cela s'est manifesté le plus visiblement dans une série de photographies en Salon de la vanité en 1993, dont une reprise mettant en vedette la chanteuse lesbienne k. ré. lang gambader avec le top model Cindy Crawford.

Aujourd'hui, il est parfaitement acceptable que les hommes hétérosexuels s'intéressent à la mode et soient des consommateurs évidents de vêtements, de produits de toilette et de magazines de mode ou de lifestyle . Des personnalités populaires, comme le footballeur David Beckham, sont de grands consommateurs de vêtements et reconnaissent même leur dette envers l'influence des hommes gais sur la mode. À une époque où l'homosexualité est tolérée et largement acceptée dans les grands centres urbains, il est devenu de plus en plus difficile de distinguer les hommes gais et hétérosexuels, et les lesbiennes et les femmes hétérosexuelles, sur la base de leur tenue vestimentaire. Reconnaissant cela, Elizabeth Wilson pose la question suivante : Tout au long du siècle queer, nous avons déguisé et révélé nos désirs déviants en robe, mascarade, déguisement. Maintenant que tout le monde est pris dans un monde postmoderne, que devons-nous faire pour inventer un nouveau style [gay et] gouine ? (Wilson, 177)

Voir également Mode et Identité ; Genre et robe de la mode.

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