Costumes et ornements traditionnels japonais

Le Japon, un archipel composé de quatre îles principales situées au large de la côte est de l'Asie continentale, était relativement tardif en termes à la fois de réception de l'extérieur et d'entretien chez lui d'une culture matérielle riche et sophistiquée. Alors qu'il existe de nombreuses preuves archéologiques en Chine de vêtements, de sculptures en céramique et de peintures funéraires, donnant une vision crédible de l'histoire des costumes chinois à travers plusieurs siècles avant l'avènement de l'ère commune, une histoire vérifiable de la robe japonaise ne commence qu'au VIIIe siècle. CE

Première histoire spéculative du Japon

Outre ses peuples autochtones, le Japon a été peuplé de vagues successives d'immigrants venus de Chine, de Corée, de

• Mode Japonaise
• Asie de l'Est : histoire de la robe
• Robe traditionnelle

Asie du Sud-Est, Asie centrale et du Nord, et peut-être Polynésie. Les fibres textiles indigènes étaient traitées à partir de l'écorce interne des arbres et des plantes, et le tissage était effectué sur un métier à tisser à sangle. La technologie textile a continuellement progressé à la suite de l'immigration, la production de soie étant vraisemblablement établie au troisième siècle. La soie reste la fibre de choix pour les vêtements traditionnels japonais.

Les archives archéologiques au Japon rapportent peu d'images humaines jusqu'au Ve siècle de notre ère. Avant cette époque, les représentations de bâtons trouvés sur des tessons de poterie et des cloches en bronze permettent l'hypothèse qu'un long vêtement semblable à une tunique, ceinturé à la taille, peut-être une forme courante de robe.

Aux Ve et VIe siècles, de grandes quantités de haniwa , sculptures funéraires en terre cuite, ont été réalisées pour des sépultures importantes. Les personnages masculins sont souvent représentés portant des vestes ajustées, ajustées et à taille longue, évasées sur les côtés avec de longues manches tubulaires et des pantalons amples fixés avec des liens juste au-dessus des genoux. Un tel vêtement rappelle l'usure pratique des peuples nomades des steppes à cheval du continent asiatique. Les cavaliers avaient besoin d'une totale mobilité des bras et des jambes pour guider leurs montures et des vêtements bien ajustés pour se réchauffer dans les latitudes nordiques froides et balayées par le vent. Les robes chinoises amples, à manches larges et longues au sol, l'autre mode vestimentaire dominant de l'élite sur le continent, étaient l'antithèse de ce type de vêtements nomades.

Femelle typique haniwa les personnages portent un vêtement supérieur ressemblant à la veste des hommes et une jupe, plutôt qu'un pantalon. Il est important de noter que haniwa les vestes ont tendance à être attachées dans une séquence qui place le panneau avant droit sur le panneau gauche, après quoi les attaches sont fixées sur le côté droit de la veste. Cela était considéré comme une pratique barbare par les Chinois, dont les robes étaient fermées du côté gauche sur le côté droit. La robe japonaise devait imiter le mode chinois de cette manière et d'autres manières peu de temps après.

Il est douteux que haniwa Le vêtement était très répandu au Japon aux Ve et VIe siècles. Une telle tenue ne conviendrait pas aux longs mois de temps chaud et humide du Japon, et une vie à cheval aurait été improbable dans le Japon montagneux. A en juger par le grand nombre de haniwa figures équestres, une élite équestre s'est peut-être établie au Japon à cette époque, peut-être après une incursion depuis le continent asiatique, mais leur façon de s'habiller ne prévaudra pas.

Périodes Asuka et Nara

L'année 552 est considérée comme la date officielle de l'introduction du bouddhisme au Japon et a marqué la première année de la période Asuka (552-710). Le bouddhisme a ses origines plus de mille ans plus tôt en Inde, s'est étendu à la Chine au début de l'ère commune et a finalement atteint le Japon via la Corée. L'alphabétisation est l'une des avancées culturelles importantes qui sont arrivées avec le bouddhisme. Les Japonais utilisaient le système d'écriture chinois basé sur des idéogrammes.

La religion indigène du Japon, le shintoïsme, a coexisté avec le bouddhisme, conformément à un thème continu de l'histoire japonaise consistant à emprunter à l'extérieur tout en préservant les traditions indigènes les plus appréciées et en transformant finalement les voies étrangères en quelque chose d'uniquement japonais.

L'histoire de la robe bouddhiste au Japon, telle qu'elle est incarnée dans le principal vêtement rituel de la religion, un manteau en patchwork ( kesa ), illustre le thème de l'importation et de l'adaptation. Kesa sont parmi les plus anciens vêtements existants au Japon. En tant que manifestation physique des enseignements bouddhistes, des exemples ont été apportés du continent asiatique afin d'aider à l'implantation de la religion sur le sol japonais. Plus tard, certains kesa testé les limites des paramètres du vêtement d'une manière typiquement japonaise.

Un autre premier groupe de costumes au Japon a été utilisé lors de représentations et de cérémonies commémorant un énorme Bouddha de bronze achevé en 752, au milieu de la période Nara (710-794). Des dignitaires de divers pays asiatiques sont venus à Nara, alors capitale du Japon, pour y assister. Ces costumes, ainsi que la plupart des premiers kesa , ont été conservés dans le célèbre entrepôt du temple connu sous le nom de Shôsôin.

Les vêtements de performance Shôsôin se ferment principalement à gauche et comprennent à la fois des gilets sans manches jusqu'aux genoux et des robes longues à manches longues. Les cols sont soit étroits et ronds, soit à col en V, avec des panneaux avant qui se rejoignent ou se chevauchent. Les décorations figuratives et géométriques, dans des motifs tissés ou teints, font partie du riche héritage de ce groupe diversifié de robes de soie. Sont également inclus des pantalons et des accessoires tels que des leggings, des chaussettes, des chaussures et des tabliers.

D'autres costumes dans le Shôsôin comprennent des robes portées par des artisans, similaires dans la coupe aux robes longues avec les cols ronds mentionnés ci-dessus, mais en chanvre plutôt qu'en soie ; robes à larges manches évasées; et même archaïque, fermeture à droite haniwa -des costumes de style.

Les costumes Shôsôin sont très probablement représentatifs de divers types de vêtements asiatiques alors en usage, et nombre d'entre eux peuvent très bien avoir été confectionnés en dehors du Japon. Dans les vêtements traditionnels japonais ultérieurs, plusieurs de ces premiers modes vestimentaires devaient se refléter dans les costumes du théâtre No.

Selon des documents d'époque, la tenue vestimentaire de la cour impériale du Japon suivait celle de la Chine à cette époque, avec le rang indiqué par la couleur. Les représentations picturales contemporaines représentent à la fois des courtisans masculins et féminins vêtus de longues robes fluides avec des manches volumineuses suffisamment longues pour couvrir les mains. Une caractéristique de la robe masculine était un col rond étroit et étroit, tandis que la robe féminine comportait de larges panneaux avant qui se chevauchaient dans la séquence gauche sur droite. La tenue de cour des femmes comprenait également un ou plusieurs sous-vêtements qui se fermaient de la même manière.

Période Heian

Kyoto devient la nouvelle capitale impériale à la fin du VIIIe siècle, marquant le début de la longue et relativement paisible ère Heian (794-1185). Les périodes précédentes du Japon d'absorption culturelle intensive du continent asiatique ont été suivies par le développement interne et le raffinement des manières étrangères combinées avec les sensibilités indigènes.

Une histoire de costumes de cette période ne peut pas être basée sur des vêtements existants, car extrêmement peu d'exemples ont survécu. La connaissance de la robe Heian est largement dérivée de représentations picturales, de dossiers de garde-robe et de deux des premiers romans de la littérature mondiale - le Conte du Genji , par Lady Murasaki Shikibu, et le Livre d'oreiller par Sei Shonagon.

Les romans décrivent le monde insulaire de la cour impériale et sa vie quotidienne pleine d'intrigues, de poésie, d'esprit, de romance et d'une manière remarquablement raffinée de s'habiller. Les femmes portaient couche sur couche de robes de soie, seuls les bords des robes individuelles étant révélés aux extrémités des manches, du col et de l'ourlet, et la robe la plus extérieure donnant le ton général de la palette de couleurs. Le goût et la sensibilité d'une femme se manifestaient par son choix de combinaisons de couleurs dans la sélection des différentes robes de l'ensemble en fonction de la saison, d'une occasion ou d'une humeur dominante. D'autres articles vestimentaires, tels qu'une veste, un pantalon en forme de jupe ( hakama ), et un tablier porté dans le dos complétait la tenue de cour des femmes.

La robe, vraisemblablement portée au plus près du corps dans cet ensemble, est considérée comme le précurseur de la période Edo (1603-1868) kosode en termes de construction et de forme. Ce vêtement le plus intérieur avait une forme générale en T composée de manches carrées ou rectangulaires avec des ouvertures étroites pour les mains. Ces manches s'attachent à de longues longueurs droites de tissu composant le corps de la robe. Un col et des revers relativement larges et plats ont été cousus sur les bords intérieurs des panneaux du corps à l'avant du vêtement. Ce vêtement est conforme au kimono actuel.

La robe masculine de la période Heian a conservé le col étroit et rond en forme de tunique reflétant la période d'influence antérieure du continent asiatique, et les hommes portaient également un pantalon en forme de jupe et un sous-vêtement ou deux. La forme des manches s'écartait des modèles continentaux précédents en ce sens qu'une forme carrée ou rectangulaire en était venue à dominer, et une seule manche pouvait être aussi large que le corps entier d'un vêtement. Dans le port d'une telle robe, le bas des manches, non cousu à leurs extrémités, pouvait pratiquement balayer le sol.

C'est également au cours de cette période que les armoiries familiales seraient apparues pour la première fois sur les vêtements. Certains types de costumes Heian ont persisté jusqu'à nos jours, comme on le voit dans les vêtements de la cour impériale, les vêtements religieux et les costumes du théâtre No.

Période Kamakura

Au cours de la dernière partie du XIIe siècle, la base du pouvoir au Japon s'est éloignée de la cour impériale de plus en plus décadente et égocentrique de Kyoto vers des clans militaires provinciaux qui ont choisi la ville de Kamakura comme quartier général. Il existe peu de vêtements de l'époque de Kamakura (1185-1333), et la littérature d'époque n'est pas très riche en matière de costume. Cependant, les peintures survivantes bien détaillées donnent une idée de la tenue vestimentaire à cette époque.

Les vêtements pour femmes étaient moins encombrés par des couches multiples exagérées, et des motifs teints à grande échelle apparaissent sur certaines robes extérieures féminines. Les motifs teints en motifs allaient devenir l'une des expressions créatives les plus importantes des vêtements japonais ultérieurs. Des expressions d'originalité dans les vêtements pour hommes ont également commencé à se manifester par l'utilisation de motifs démesurés et l'assemblage de pièces de deux robes complètement différentes afin de créer un nouveau costume surprenant. Les sectes bouddhistes (comme le Zen), jusque-là inconnues au Japon, ont été introduites du continent asiatique, ce qui a entraîné l'importation de kesa fabriqués à partir de certains types de textiles luxueux autrement inaccessibles aux Japonais. Plus tôt kesa étaient, dans l'ensemble, plus humbles en apparence.

Périodes Nambokuchô, Muromachi et Momoyama

La ville impériale de Kyoto redevient capitale avec l'avènement de l'ère Nambokuchô (1333-1392), période marquée par des affrontements entre clans militaires rivaux. La guerre a continué pendant la période Muromachi suivante (1392-1568). Depuis l'avènement de l'ère Kamakura, la famille impériale n'avait régné que de nom ; le shogun, en tant que pouvoir militaire suprême, détenait le pouvoir réel.

En matière culturelle, la cour impériale cessa d'être à l'avant-garde. Les membres d'élite de la classe militaire et les moines bouddhistes de haut rang étaient les principaux praticiens de la cérémonie du thé nouvellement établie et extrêmement esthétique. Le shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408) fut le premier mécène important du théâtre No.

Les costumes du théâtre No ont continué à exister dans une grande variété de types différents jusqu'au début du XXIe siècle. Au cours des premiers siècles de la forme théâtrale entièrement masculine, les acteurs portaient des vêtements provenant des garde-robes de leurs mécènes d'élite. À l'époque d'Edo (1603-1868), aucun costume n'était fabriqué spécifiquement pour être utilisé sur scène; cependant, pour la plupart, les styles de costumes n'ont pas changé et ont continué à refléter les vêtements des périodes antérieures.

Dans la vaste catégorie des sans robes appelées ôsode , un terme désignant les manches hautes et larges qui ne sont pas cousues à leurs extrémités, sont certains types de robes depuis longtemps obsolètes au Japon, sauf dans les sphères les plus conservatrices et traditionnelles de la vie japonaise, telles que les rites de la cour impériale et les rituels shintoïstes.

Utilisant souvent des fils d'or sous la forme d'étroites bandes de papier plates et dorées, ainsi que des fils de soie, ôsode les costumes ont toujours des motifs tissés. Ces motifs peuvent être assez audacieux en termes d'échelle et de composition, bien que leur coloration soit plus réservée, généralement limitée à une seule couleur pour la soie. Le théâtre No conserve également le pantalon en forme de jupe ( hakama ) d'autrefois, et le port superposé de costumes, avec un ôsode robe généralement portée comme une robe extérieure.

L'autre catégorie principale de costumes sans costumes comprend des robes avec des manches plus courtes en hauteur et en largeur par rapport à ôsode manches. Les manches sont également arrondies sur leurs bords extérieurs les plus bas plutôt que d'avoir un angle droit comme dans ôsode . Les extrémités des manches sont cousues, laissant juste assez d'ouverture pour le passage des mains. Le nom de cette catégorie générale de Pas de costumes est kosode . Le même terme avait été utilisé pour la robe de soie unie portée à même la peau et sous des couches de vêtements volumineux à l'époque de Heian.

Pendant la période Muromachi, le kosode littéralement émergé comme un vêtement d'extérieur acceptable. Ce qui était auparavant des vêtements intimes privés était désormais autorisé en dehors des intérieurs domestiques. Cette forme de robe est devenue le principal véhicule pour l'expression de l'évolution des modes et des styles.

Pendant la période Edo, la plupart kosode -catégorie costumes encore conservés styles d'époque Muromachi et Momoyama. Les styles archaïques qui ont persisté comprenaient l'utilisation d'un tissu de brocart épais et orné, une dorure étendue, l'épissage de deux types de tissus complètement différents dans une même robe et une composition à centre vide qui concentre les motifs de conception au niveau des épaules et de l'ourlet de la robe. . De tels costumes ont cependant changé la forme générale de leurs manches d'oblongs à carrés en réponse à une tendance de la période Edo, et certaines robes No avec des motifs brodés ont parfois été influencées par les styles de mode contemporains.

Extant Aucun costume ne date d'aussi loin que la dernière partie de la période Muromachi. Aucune robe n'était encore fabriquée au début du XXIe siècle et certains des producteurs modernes utilisaient des techniques traditionnelles de tissage à la main et de teinture naturelle.

Dans le but de fournir un soulagement comique de la tragédie et de la mélancolie de Non, kyôgen les pièces de théâtre étaient traditionnellement jouées avec No pièces. Déguisements pour kyôgen reflètent une robe de classe inférieure et sont faits de fibres libériennes (généralement de chanvre ou de ramie) plutôt que de soie, n'utilisent pas de fils d'or ni de dorure, et sont modelés au moyen de teintures, contrairement aux robes No avec leurs motifs tissés, brodés ou dorés. Existant kyôgen les costumes ne sont pas antérieurs à la période Edo.

Dans les années 1540, lorsque les premiers Européens ont atteint le Japon, le pays était en proie à une guerre civile prolongée. Cette combinaison de temps turbulents et d'une nouvelle vague d'influence étrangère a conduit à la création d'exemples étonnants de vêtements de classe samouraï. La couture de style occidental et les tissus exotiques nouvellement importés de drap de laine européen, de chintz de coton indien et même de tapisserie de soie persane peuvent être vus dans plusieurs jimbaori (un type de gilet porté par-dessus une armure).

Une plus grande créativité dans la robe masculine est évidente dans certains courts kosode -vêtements en forme ( dô fuku ) associé aux grandes figures militaires du XVIe siècle. Ces robes présentent des motifs non conventionnels et des combinaisons de couleurs surprenantes.

Période Edo

Trois chefs militaires successifs devaient émerger en tant qu'unificateurs du Japon déchiré par la guerre. Une paix durable a finalement été établie par le dernier des trois, Ieyasu Tokugawa. Une nouvelle capitale a été établie à Edo (plus tard connue sous le nom de Tokyo), et tous les shoguns suivants ont été fournis par le clan Tokugawa au pouvoir depuis Edo tandis que la cour impériale restait à Kyoto. Le Japon est entré dans une période d'isolement, au cours de laquelle la nouvelle religion du christianisme a été supprimée, les voyages à destination et en provenance du Japon ont été interdits et le commerce extérieur a été soumis à des contrôles stricts.

La tenue conservatrice est devenue la norme pour la classe des samouraïs. Les vêtements de cérémonie pour hommes consistaient en un gilet court avec des épaules en forme d'ailes et le traditionnel hakama , avec les deux vêtements fabriqués à partir d'une fibre libérienne à motifs de minuscules motifs répétés et invariablement teints en bleu. Les samouraïs n'avaient plus de guerres à mener, bien que l'armure et son gilet associé continuaient à être fabriqués. Bien que des exemples créatifs de gilet soient encore produits, les samouraïs n'étaient pas encouragés à s'habiller comme des dandys.

La plus grande créativité vestimentaire pendant la période Edo se manifeste dans le kosode . Une grande partie de l'impulsion pour transformer ce vêtement en une telle forme de robe soucieuse de la mode est venue de la classe marchande nouvellement riche, qui était, néanmoins, au bas de la hiérarchie sociale.

Alors que le théâtre No était l'apanage des classes supérieures, le théâtre Kabuki était l'art de la performance pour les marchands de nouveaux riches. La plupart des costumes de Kabuki ont la forme standard en T de kosode; cependant, leur coloration tend vers le criard et leurs motifs de conception peuvent être écrasants en échelle. Par exemple, un homard géant pourrait couvrir tout le dos d'une robe.

Les principaux acteurs de Kabuki (également une forme théâtrale entièrement masculine) sont devenus extrêmement populaires, leurs visages et leurs tenues étant disséminés dans une myriade de gravures sur bois. Cependant, leurs costumes avaient tendance à être trop bizarres pour influencer la mode, autrement qu'en popularisant une nuance particulière d'une couleur ou un certain motif. Les costumes Kabuki du début du XXe siècle ont continué à ressembler à ceux de la période Edo.

Le clergé bouddhiste occupait un rang élevé sur l'échelle sociale et recevait des pouvoirs administratifs et un soutien officiel sous le gouvernement Tokugawa, leur permettant de participer à la prospérité générale. La tendance la plus inhabituelle observée dans kesa , le vêtement patchwork, était une impulsion picturale qui a abouti à des exemples tissés, brodés ou peints avec des images de représentation narratives telles que des oiseaux et des animaux dans des paysages, des rassemblements de divinités et même des compositions florales. Deux des méthodes utilisées pour satisfaire l'adhésion symbolique à la tradition du patchwork impliquaient la couture de cordons ou le dessin de lignes sur le vêtement afin de créer l'impression d'une construction en pièces. Comme le kesa est un vêtement plat, large, orienté horizontalement, généralement de forme rectangulaire, une inspiration pour ce nouveau style de conception de surface était probablement les larges écrans peints largement utilisés pendant la période Edo.

le kesa reflétait également le goût à la mode d'une manière plus indirecte en raison de la coutume des bouddhistes laïcs de faire don de vêtements de valeur aux temples. Les vêtements seraient décousus, découpés et refaits en robes bouddhistes. Autre kesa étaient assemblés à partir de riches brocarts, qui étaient tissés dans le pays, car l'industrie textile japonaise avait, à cette époque, absorbé les compétences et la technologie étrangères nécessaires au tissage des textiles de luxe.

Les tendances extravagantes de kesa a conduit au moins une secte bouddhiste à fabriquer un vêtement austère, monochrome et sans motif dans une fibre libérienne. Bien qu'il n'y ait pas eu de nouveaux styles innovants, kesa -au début des années 2000-reflétait toute la variété observée dans les exemples de la période Edo. Cependant, plusieurs artistes textiles du début du XXIe siècle en Occident ont réalisé des œuvres créatives inspirées de la forme traditionnelle du kesa.

Période Meiji

Le Japon a été contraint de mettre fin à son isolement dans les années 1850 lorsque les puissances occidentales dotées d'une technologie militaire de pointe ont exigé des concessions commerciales. Le shogunat Tokugawa s'effondre et le pouvoir passe à la famille impériale, qui déplace la cour à Tokyo en 1868 et proclame une nouvelle ère, la Meiji (1868-1912). Une fois de plus, les Japonais ont réalisé la nécessité de suivre le rythme des nations plus développées et se sont lancés dans une politique d'occidentalisation rapide.

Le costume occidental a été adopté, l'empereur et l'impératrice aidant à donner l'exemple au reste du pays en portant occasionnellement des vêtements occidentaux. Les bouddhistes et les familles de samouraïs d'élite ont vendu des quantités de kesa et Pas de costumes, enrichissant finalement les collections de musées et de particuliers au Japon et en Occident. Pour la population urbaine plus sophistiquée, et en particulier les hommes, la robe traditionnelle japonaise a cessé de faire partie de l'usure quotidienne jusqu'à ce que finalement l'utilisation de la robe traditionnelle soit reléguée aux temples et monastères bouddhistes ; sanctuaires shintoïstes ; Non, kyôgen , et le théâtre Kabuki ; cérémonie du thé et autres arts traditionnels tels que la composition florale; et la cour impériale. Les geishas, ​​encore une institution au Japon au début du XXIe siècle, étaient encore censées se divertir en kimono.

Au début des années 2000, les rites de passage tels que les cérémonies de passage à l'âge adulte des enfants, les remises de diplômes et les mariages sont des occasions pour le grand public de porter des vêtements traditionnels. Une famille japonaise peut également enfiler un kimono lorsqu'elle participe à des festivals nationaux et régionaux spéciaux ou lorsqu'elle se détend après l'heure du bain dans une auberge traditionnelle. Il n'était pas rare qu'une femme au foyer japonaise fréquente une école de kimono afin de mieux comprendre comment choisir et porter correctement un kimono et son accessoire le plus important, l'obi.

Pendant la période Meiji, des termes ont été inventés afin de distinguer l'ancienne manière japonaise de s'habiller ( wafuku ) de la robe occidentale nouvellement adoptée ( yofuku ). Kimono (dérivé du verbe pour porter des vêtements et du mot pour 'chose') est devenu le nouveau terme pour le vêtement en forme de T anciennement connu sous le nom de kosode . Le mot est entré dans les dictionnaires de langues du monde entier et sert couramment de désignation pour la robe nationale du Japon, tout comme sari est universellement reconnu comme le vêtement indien intemporel.

Au cours des périodes Taish précoce (1912-1926) et Taishō tardive (1926-1989), les mingei Le mouvement a été fondé par des artistes et des intellectuels dans le but de préserver et de perpétuer l'artisanat populaire du Japon, en particulier celui pratiqué par les agriculteurs et les minorités ethniques. Ceux qui ont défendu l'idée de mingei peuvent être considérés comme les héritiers est-asiatiques du mouvement Arts and Crafts, bien qu'ils n'aient pas eu à insister sur l'importance de l'artisanat, comme le faisaient leurs prédécesseurs occidentaux, car dans la tradition japonaise, les distinctions entre beaux-arts et arts décoratifs n'étaient pas catégoriques. Cependant, l'élévation des œuvres artisanales réalisées par des paysans et des minorités à la vie simple en marge de la société japonaise ne correspondait pas aux idées conventionnelles de la hiérarchie sociale au Japon.

Exemples de costumes collectés et étudiés par mingei les amateurs comprennent les robes en fibres libériennes et en coton de la tribu indigène des Aïnous, des costumes spécialement teints d'Okinawa, des vestes d'agriculteurs fortement cousues et des vêtements de pêcheurs et de pompiers.

Voir également Kimono ; La mode japonaise.

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