MODE HIP-HOP

Le hip-hop est à la fois la voix d'une jeunesse aliénée et frustrée et une industrie culturelle de plusieurs milliards de dollars conditionnée et commercialisée à l'échelle mondiale. Le hip-hop est également une sous-culture à multiples facettes qui transcende bon nombre des caractérisations populaires utilisées pour décrire d'autres cultures de jeunes axées sur la musique. L'une des considérations importantes concernant le hip-hop est que depuis sa conception au début des années 1970, le hip-hop est sans doute devenu plus puissant et efficace pour galvaniser l'identité sociale noire que le mouvement des droits civiques des années 1960.

L'évolution du hip-hop s'est développée d'une rumination consciente des mots et de la musique à une expression obstinée de la vie urbaine contemporaine à travers des gestes corporels et des vêtements. Depuis le début, la mode hip-hop est sur une trajectoire de floraison incessante. Les développements ont été principalement dans le secteur des vêtements pour hommes; Les premiers vêtements étaient fonctionnels et comprenaient des articles conventionnels - vestes en cuir à appliqué multicolore, manteaux en peau de mouton, manteaux de voiture, jeans à jambe droite en velours côtelé ou en denim, sweats à capuche, pantalons d'échauffement athlétiques, faux cols roulés, baskets et casquettes. Les articles moins fonctionnels comprenaient des jeans de créateurs et des ceintures surnommées, des bijoux en or, des casquettes Kangol, des Pumas à gros lacets, des chaussures de basket-ball et des lunettes surdimensionnées de Cazal.

Les formes de vêtements amples qui dissimulent les contours du corps ont été introduites dans les années 1980. Au début des années 2000, le look hip-hop archétypal consistait en des casquettes de baseball arborant les insignes des ligues noires et des équipes de football et des créateurs de mode bien connus. Les bonnets et les bandanas en laine étaient portés seuls ou ensemble. Des vestes en duvet d'oie ou d'autres vêtements d'extérieur par mauvais temps associés à des sweat-shirts à capuche. À la fin des années 1990, les t-shirts blancs surdimensionnés, les gilets de basket-ball et les chemises de hockey omniprésents sont devenus des éléments de base de l'expression. Des jeans baggy ou des pantalons cargo camouflage portés de manière basse, des sacs à dos, des bottes de combat ou de randonnée ou des chaussures de sport étaient complétés par des tatouages et des coiffures rasées, tressées ou à dreadlocks. Initialement, les vêtements pour femmes hip-hop consistaient en des looks sans importance qui reflétaient les vêtements pour femmes contemporaines et étaient accompagnés d'articles tels que des jeans Gloria Vanderbilt, des boucles d'oreilles en bambou, des sacs à main Fendi et Louis Vuitton, des chaînes porte-nom, des hauts de ventre, des hauts de soutien-gorge, des jupes courtes, des jeans moulants, des bottes hautes, des cheveux raides et des tresses, des tatouages, des faux ongles et des bijoux en or surdimensionnés. De plus, certaines femmes portaient des vêtements composés d'articles similaires à ceux portés par les hommes dans les années 1990. Des rappeuses telles que Lil 'Kim et Foxy Brown ont affiché des vêtements provocateurs et des gestes sexuels étranges qui deviendraient finalement une raison d'être pour les vêtements pour femmes hip-hop.

Au sein de l'environnement postindustriel, le hip-hop a émergé comme une articulation d'une altérité affirmative, qui est parfois impopulaire et mal comprise par les groupes politiquement conservateurs et socialement moralistes, et en particulier par ceux qui considèrent la perspective moderniste et anti-pluraliste comme sacro-sainte. .

Par conséquent, le hip-hop tend à être impopulaire auprès des agences de l'establishment qui souhaitent censurer l'expression et surveiller la conduite et la morale des jeunes ; cependant, le hip-hop est compris par les agences de médias de masse et est exploité comme un symptôme de la volatilité entre l'attraction du matérialisme et la stagnation de la sous-classe urbaine. L'état précaire de cette condition oblige le hip-hop à devenir un projet soucieux de la maîtrise de la survie urbaine, et a donc un attrait mondial qui se manifeste dans le hip-hop de Nouvelle-Zélande, du Japon, d'Afrique, de France et de Grande-Bretagne.

Force centrifuge, le hip-hop a contribué à la conceptualisation d'une perspective alternative dans la société au sens large ; cela inclut le matérialisme, les manières, la morale, la politique de genre, le langage, le geste, la musique, la danse, l'art et la mode. La musique et la mode hip-hop ont atteint une position essentielle dans la culture, bien qu'elles oscillent à la périphérie de la conformité et de l'acceptabilité générale, mais en raison de la notion de statut d'étranger et en s'appuyant sur la popularité de la musique rock, le hip-hop a été admiré et imité. par des adolescents de la plupart des ethnies et des classes sociales.

Où le hip-hop a commencé

Le hip-hop est parfois devenu synonyme d'une constellation de produits sur le marché du luxe, même si une telle situation aurait été absurde à la genèse du hip-hop. Le hip-hop s'est formé dans la culture des soirées au sous-sol qui ont eu lieu dans le Bronx à New York. Ces fêtes se sont officialisées lorsque les DJ Kool Herc, Grandmaster Flash et DJ Starski ont commencé à jouer lors de fêtes impromptues dans les parcs, les rues et les centres communautaires. Le DJ jamaïcain Kool Herc, le fondateur reconnu des break-beats hip-hop a basé son système de discothèque Herculords sur les systèmes de son reggae jamaïcains qui ont joué en Jamaïque et à New York. La forme d'art du rap a émergé comme moyen de communiquer le récit au public. Le rap est similaire au toasting , une caractéristique de longue date de la musique reggae.

Influence sur d'autres styles

B-boy et Flyboy étaient des désignations utilisées pour différencier ceux qui se concentraient sur la musique et la danse et ceux qui se concentraient sur la mode. Les B-boys et B-girls étaient les premiers, et les Flyboys et Flygirls les seconds. Les B-boys tirent leur appellation du breakdance. Des danseurs de break vêtus de vêtements de sport comme des baskets Puma, des pantalons de survêtement Adidas, des t-shirts et des vestes rembourrées en nylon ou en cuir. Ils se sont spécialisés dans la création de mouvements acrobatiques poétiques, défiant la gravité et explosifs, accompagnés de phrasés interrompus, répétés et superposés d'enregistrements de break-beat.

Les sous-tendances qui ont suivi le breakdance sont devenues les précurseurs de la mode influencée par le rap. Par exemple, il existe des corrélations directes avec la mode associée au rap hardcore, au gangsta rap et au rap afrocentrique/culturel.

Un garçon à la maison à New York au milieu des années 90

Le porteur est vêtu de classiques américains classiques emblématiques, d'un t-shirt blanc et d'un jean Levi's 501. Soit il l'ignore, soit ses autres vêtements et la façon dont il les porte sont choisis pour compenser leur statut : chapeau de golf Kangol, baskets Nike, et le caleçon omniprésent.

Cependant, le dispositif clé de l'affichage est réalisé en portant un caleçon avec un jean de manière à ce que le bord élastique du caleçon dépasse de la taille du jean, ce qui rend visible l'élastique de la marque du créateur. En conséquence, le jean est restructuré, dans la mesure où la forme du pantalon commence à affecter la foulée du porteur. Des paquets de tissu s'accumulent autour du bas des jambes, provoquant des mouvements volumineux et restrictifs. Cette façon précaire de porter le jean crée la base de l'expression.

L'expression B-boy a franchi avec succès la fracture sous-culturelle. Les skateurs, à prédominance blanche, ont également adopté une grande partie de l'expression B-boy et l'ont adaptée à leur mode de vie. Les Daisy Agers ont été illustrés par les rappeurs De La Soul, qui se sont inspirés des caractéristiques afrocentriques démontrées par divers mouvements de conscience noire depuis les années 1960. Les néo-panthères, les afrocentriques, les sportifs et les gangstas représentent des développements qui ont fait l'objet de nombreux adeptes. En effet, ces caractérisations contiennent des objets vestimentaires qui démontrent une complicité dans pratiquement toutes les expressions de la diaspora depuis que le hip-hop s'est défini au début des années 1980. Beaucoup d'objets de mode utilisés par le B-boy des années 1980 étaient des affirmations d'avant les années 1980. Une grande partie de l'expression gangsta empruntée au style proxénète des années 1970, tandis que le look du milieu des années 1980 de l'archétype du B-boy fusionnait une esthétique Black Panther avec un look sportswear parfumé par le jamaïcain Rude Bwoys . Les B-boys et les Flyboys ont réussi grâce à l'échange interculturel entre les impératifs culturels de l'histoire et de l'identité afro-américaine et caribéenne (Rose p. 21).

Au milieu des années 80 et au début des années 90, la mode hip-hop a pris de l'importance à mesure que la musique hip-hop devenait populaire dans le monde entier. En conséquence, les B-boys ne sont plus noirs et issus de la classe ouvrière.

La genèse du hip-hop de mode avait été habilement articulée par les B-boys des années 1970 qui ont ouvert la voie aux groupements hip-hop ultérieurs (Daisy Agers, New Jacks, Sportifs, Nationalist [néo-Panthers]), qui ont tous ajouté leur propres expressions uniques à la mode. En tant que designers non officiels, ces groupes ont violé et corrompu de nombreuses propositions existantes sur la mode et ont fourni le modèle qu'une nouvelle génération de porteurs de mode hip-hop aurait dû s'engager. Comme la musique hip-hop, la mode hip-hop édite, échantillonne, répète, unit et crée de nouvelles modes, parfois à partir de non-sens et parfois à partir de sentiments profonds qui définissent les expériences authentiques des porteurs de hip-hop. Dans de nombreux cas, les B-boys s'enthousiasment pour les marques de mode traditionnelles. Une caractéristique des expressions de la mode hip-hop est une prédilection pour les marques de créateurs américaines, italiennes et anglaises telles que Tommy Hilfiger, Ralph Lauren, Gucci et Burberry. Pour le B-boy, la consommation de vêtements s'inscrit dans un rite de consommation et d'exhibition qui réaffirme la formule Je suis = ce que j'ai et ce que je consomme (D'après p. 36).

La stylisation exagérée du B-boy est articulée dans des vêtements humoristiques, exagérés et bizarres qui ressemblent parfois à un personnage de dessin animé. Cette esthétique visuelle remplace et dissipe toute idée que l'aliénation rend les individus invisibles. La version standardisée de la mode hip-hop s'est enfermée dans la parodie. Au cours des années 1980, les marques de mode se sont installées dans la culture hip-hop. L'adoption de contrefaçons de vêtements Gucci et Fendi et de Nikes et Timberlands de bonne foi représentaient des tentatives pour créer une mode qui a une résonance au-delà du contexte de la communauté hip-hop.

Au cours des années 1980, le magasin de Harlem Dapper Dan est devenu célèbre pour l'idée d'exalter des marques de mode exotiques remarquables telles que Fendi et Gucci. Une grande partie de l'attrait pour les consommateurs était dans la distillation des logotypes de ces marques de haute couture sur leur vêtements et dans les rues de Harlem. En règle générale, le tissu imprimé avec les logos de ces marques serait transformé en vêtements qui ne se trouveraient pas dans les collections authentiques de Fendi ou de Gucci. En fin de compte, Dapper Dan était un projet postmoderne qui comprenait le développement de la mode hip-hop.

Concepteurs et producteurs

En partie, la mode hip-hop est apparue par défaut. Les créateurs de vêtements de sport actifs et de chaussures de sport n'ont pas ciblé les rues, les boîtes de nuit ou les vidéoclips comme emplacement principal pour leurs produits. En particulier, les vêtements de sport de marque tels qu'Adidas, Reebok, Nike et British Knights avaient été appropriés par le hip-hop et sont devenus les précurseurs des marques de vêtements de sport hip-hop de Troop, Cross Colors, Mecca, Walker Wear et Karl Kani. Cependant, les entreprises de vêtements n'ont jamais dépassé la prééminence de la marque de chaussures de sport. Les baskets Nike et Adidas sont des indicateurs de la distance du hip-hop par rapport au grand public ; pour de nombreux porteurs, la sneaker et la Nike Swoosh étaient des objets puissants dans le rite de passage urbain. Les Nike Air Force 1 et Air Jordans sont devenues emblématiques et fétichistes. Le logo Nike a été porté comme un bijou, coupé dans les cheveux et tatoué sur la peau.

Le hip-hop a créé ses propres tendances et modes de consommation, avec des réseaux culturels qui mutent à un rythme intimidant. Sa collusion avec la mode grand public est bien établie. De nombreux raps de grandes stars du hip-hop exaltent l'importance de porter Gucci, Prada, Versace, Tommy, Earl, Burberry, Timberland, Coogi et Coach. De tels raps sont généralement des vantardises arrogantes qui tolèrent la surenchère comme la demande de Lil 'Kim sur sa chanson 'Drugs' sur l'album Hardcore , 'Appelez-nous les filles Gabbana, nous sommes dangereuses, les salopes paient des frais juste pour traîner avec nous' ou 'Oui en effet, coule en première classe et la vôtre est coach comme le sac, la maman Prada.'

Les motifs, les tissus, les couleurs et le drame du port de vêtements ont radicalement changé en 1998, lorsque les dirigeants du hip-hop ont commencé à reconnaître le quatuor de la mode grand public de Versace, Prada, Dolce & Gabbana et Gucci comme le nec plus ultra de l'expression de la mode. L'accent matérialiste mis par les gangstas, les joueurs et les célébrités du hip-hop a peuplé l'idée de la fabuleuse ghetto (la juxtaposition d'objets fabuleusement coûteux placés dans le contexte du ghetto appauvri) en remplacement du hip-hop. des modes de houblon qui ne reposaient pas sur les approbations de marques de mode grand public glamour et chères.

Ces nouvelles inflexions ont incité une autre révision de la mode hip-hop. Bien que les vêtements de sport de performance de marque aient d'abord été populaires dans la culture hip-hop, leur déplacement a été provoqué lorsque Lil' Kim, parmi d'autres stars du hip-hop, a utilisé d'importantes marques de créateurs pour créer une image de privilège et de statut. Les fans ordinaires de hip-hop et les entreprises de mode ont compris cette idée. Les raps de Lil' Kim et d'autres rappeurs ont injecté dans les stratégies de vente au détail, de publicité et de promotion des entreprises de mode une nouvelle source thématique et un marché jusqu'alors inexploité. La mode hip-hop représente un discours subversif ; les entreprises de mode reconnaissent ce point de vue comme étant favorable si elles souhaitent affecter des valeurs et des attitudes qui sont urbaines et donc cool. Cependant, certaines entreprises échouent dans cette ambition et ont toutes souffert de mythes sur les consommateurs qui sont incompatibles avec l'image de marque de l'entreprise.

Dans leurs tentatives pour atteindre la pertinence postmoderne, les entreprises de mode telles que Asprey, Puma, Versace et Iceberg ont utilisé la recommandation formelle offerte dans les stratégies de marketing croisé. Cela peut aller d'une célébrité apparaissant dans une campagne publicitaire ou simplement assise au premier rang d'un défilé de créateurs.

Pour contrer cela, un certain nombre de magnats de la musique hip-hop - Russell Simmons, P. Diddy et Master P - ont tous possédé des entreprises de vêtements. Leurs entreprises produisent des collections de mode créatives qui sont synchronisées avec la production musicale de leurs entreprises d'enregistrement. Ces entreprises se séparent entre celles qui suivent une interprétation précise de la mode hip-hop et celles qui cherchent à se croiser et à produire des designs qui ont un large attrait pour la mode de masse plutôt qu'un attrait spécialisé pour le hip-hop.

En essayant de modéliser la direction et le contenu de la mode hip-hop, les magnats du hip-hop ont ignoré les expériences de vie, les moyens économiques et les tendances auto-créatrices des adeptes du hip-hop au profit d'une idéologie personnelle.

Comment le hip-hop franchit les frontières

Au début des années 1990, un groupe d'adeptes du hip-hop de Brooklyn a commencé à réutiliser les étiquettes de vêtements Ralph Lauren et à les coudre sur des vêtements non fabriqués par Ralph Lauren. L'action de la sous-culture Lolifer était de défier l'opposition commercialement agressive de Ralph Lauren et de contrer l'antagonisme de la marque de mode. La déconstruction de l'image de marque bien entretenue de l'entreprise de mode crée un renversement de hiérarchie. Lorsque l'étiquette Polo de Ralph Lauren est peinte à la main sur un mur, voire sur une serviette, comme le faisaient les Lo-lifers, une question se pose sur le branding commercial et la représentation mythologique du logotype de la mode.

Une caractéristique de la mode hip-hop réside dans les thèmes multiples qui sont filtrés à travers les aspirations des porteurs et des créateurs. Le designer américain Tommy Hilfiger a réussi à saisir une compréhension de la culture hip-hop et a produit des articles de mode très spécifiques, qui correspondent au marché sans s'excuser.

Au milieu des années 1990, les nouvelles coupes de jeans Hilfiger ont reçu des titres tels que Uptown , qui font référence aux emplacements géographiques de Harlem et du Bronx, deux quartiers de New York à forte population afro-américaine. La coupe Uptown des jeans est apparemment la même que celle des jeans extra larges et bas fabriqués par tout autre designer hip-hop ou fabricant grand public populaire s'adressant au marché du hip-hop ; Cependant, le degré d'enthousiasme du hip-hop pour Hilfiger a rendu la marque très populaire.

La mode hip-hop est considérée comme un délinéateur de cool . En effet, certains aspects du hip-hop sont devenus la caractérisation de la dissonance ; c'est pourquoi les princes royaux britanniques William et Harry étaient heureux d'adopter des gestes de homeboy tout en portant des casquettes de baseball. N'ayant probablement jamais rencontré de vrai B-boy en direct, les postures gestuelles cool sont sans aucun doute glanées dans les clips.

Dans l'une des études les plus informatives sur l'expression cool, Majors et Billson suggèrent que le cool ajoute de la valeur à la privation du droit de vote de l'individu. Sa pratique se construit par l'attitude et implique un statut pour le porteur à travers une importance attribuée aux objets de mode. Le phénomène du cool apparaît comme l'ingrédient incontournable de la vie hip-hop ; elle est effectuée par les attachements de soi. Cool, ou pour utiliser d'autres évocations, 'voler' ou - en Grande-Bretagne - ' le styler ' est une procédure créative de furtivité servant de badge d'appartenance, bien qu'elle permette aux porteurs de faire des ajustements mineurs à la configuration de leurs vêtements.

Voir également Tommy Hilfiger ; Ralph Lauren ; Musique et mode.

Bibliographie

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