Costume de théâtre

La tradition théâtrale occidentale trouve ses fondements dans les célébrations grecques organisées au VIe siècle avant notre ère, en l'honneur de Dionysos, le dieu du vin et des réjouissances. Les réjouissances (danses, chansons et réponses chorales) ont évolué en drame parlé en 535 avant notre ère, lorsque le dramaturge Thespis a introduit un acteur pour répondre au chef de choeur. Le résultat a été le dialogue.

Un autre dramaturge, Eschyle (525-456 avant notre ère), est crédité d'avoir établi ce qui est devenu le costume traditionnel de la tragédie grecque. Il se composait d'une tunique à motifs à manches longues, d'un masque stylisé pour une reconnaissance instantanée des caractères et d'une paire de chaussures à semelles hautes appelées corthunae. Tous ces vêtements étaient exclusivement destinés à un usage théâtral. On ne peut pas jouer le héros au quotidien.

Les acteurs des comédies grecques portaient également des masques pour indiquer les personnages qu'ils représentaient. De plus, ils ajoutaient souvent des parties du corps exagérées, des bas ou des ventres rembourrés et des phallus surdimensionnés pour renforcer l'effet comique. Les tuniques courtes, tout comme celles portées par les citoyens ordinaires, étaient considérées comme appropriées à la comédie.

Bien que les Romains aient ajouté leurs propres rebondissements, les conventions de costumes établies par les Grecs sont restées essentiellement les mêmes jusqu'à la chute de l'Empire romain, lorsque le théâtre occidental a pratiquement disparu pendant huit cents ans.

Le Moyen Âge et la Renaissance

Lorsque le théâtre est réapparu, il l'a fait, ironiquement, dans le contexte de l'église. L'église chrétienne était l'ennemi juré du drame (le percevant comme étant à la fois impudique et apparenté à l'adoration du diable). Mais, comme les offices se faisaient en latin, ce que de moins en moins de paroissiens pouvaient comprendre, les prêtres devaient imaginer une manière de dramatiser la liturgie.

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À partir du Ve siècle de notre ère, des pièces de mystère, des événements dramatiques dans les Écritures et des pièces de miracles, qui représentaient la vie des saints, étaient de plus en plus jouées à la fois à l'intérieur de l'église et sur les terrains de l'église. Au fur et à mesure qu'ils devenaient plus élaborés, ils s'installèrent sur la place du marché.

Les costumes portés dans les premiers drames religieux étaient des vêtements ecclésiastiques. Au fur et à mesure que les scripts sont devenus plus laïques, impliquant souvent des habitants de la ville en plus du clergé, les artistes laïcs ont assumé la responsabilité de toutes les pièces de costume n'appartenant pas à l'église. L'art religieux contemporain a inspiré des personnages tels que Daniel, Hérode, la Vierge Marie et divers diables.

C'est à la Renaissance que les éléments de mise en scène, tant les décors que les costumes, prennent encore plus d'importance que le texte. Dans toute l'Europe, la noblesse a organisé de somptueux masques de cour et des reconstitutions historiques pour divertir ses invités. Les costumes représentaient des dieux, des animaux et des créatures mythologiques, ainsi que des émotions telles que l'espoir et la joie. Les concepteurs de ces festivités comprenaient Léonard de Vinci et Inigo Jones.

La Commedia Dell'Arte

La commedia dell'arte, une forme de comédie de rue populaire, est apparue en Italie au XVIe siècle. Des groupes d'acteurs itinérants ont présenté des pièces largement improvisées à travers l'Italie et l'Europe.

À l'instar des comédies grecques (auxquelles la commedia est censée être liée), les acteurs de la commedia ont représenté des personnages de référence identifiables par leurs masques et par leurs costumes traditionnels. Pantaloon, l'archétype du vieil homme gâteux, était souvent vêtu du pantalon large qui porte désormais son nom. Le rusé serviteur Brighella portait un manteau à rayures vertes horizontales, précurseur de la livrée britannique du XIXe siècle. D'autres personnages comiques incluent Arlecchino, ou Arlequin, Il Dottore, un universitaire pédant toujours vêtu de noir, et Il Capitano, un Espagnol lâche. Les personnages sérieux de la commedia, deux couples d'amoureux et une servante, portaient des vêtements contemporains.

Les œuvres de William Shakespeare, Jean-Baptiste Molière et Jean-Antoine Watteau témoignent toutes de l'influence de cette importante forme d'art populaire.

Du XVIe au XVIIIe siècle

Les costumes pour les pièces de Shakespeare étaient un mélange de différentes périodes que le public acceptait comme la convention standard. La plupart des pièces ont été jouées dans des vêtements contemporains appartenant à l'acteur (tous étaient des hommes) ou fournis par le patron du théâtre. À l'occasion, un casque ou une cuirasse peut indiquer un soldat. Les fées et les nymphes pourraient porter des draperies classiques.

Le même principe s'applique au costume aux XVIIe et XVIIIe siècles. La plupart des acteurs et en particulier des actrices s'habillaient le plus à la mode possible. Un turban indiquait un caractère oriental. Un casque à plumes signifiait un soldat. Les artistes ont fourni leur propre garde-robe à l'exception des articles spécialisés fournis par le théâtre.

Le XIXe et le début du XXe siècle

William Terriss dans le rôle du roi Henri VIII. 1895

La période entre les années 1770 et les années 1870 a vu une tendance à la précision historique dans la conception de costumes. À mesure que les voyages devenaient relativement plus faciles, les rapports, à la fois écrits et visuels, augmentaient la connaissance des autres cultures. Des expositions internationales telles que l'exposition Crystal Palace à Londres en 1851 ont fait découvrir au public la culture matérielle des lieux exotiques. Ils voulaient que ce qu'ils voyaient et lisaient se reflète sur la scène.

Dans la principauté allemande de Saxe-Meiningen, le duc George II a créé sa propre troupe de théâtre appelée les Meiningers. Le duc a utilisé toutes les ressources disponibles pour créer des costumes authentiques pour ses acteurs.

Les Meininger ont fait de nombreuses tournées sur le continent et le style de leurs productions a grandement influencé des bastions du réalisme du XIXe siècle comme le Théâtre Libre à Paris et le Théâtre d'art de Moscou en Russie. Aux États-Unis, les productions de l'imprésario David Belasco reflètent son admiration pour ce nouveau style réaliste.

Un contrecoup inévitable a suivi. En Russie, pour ne citer qu'un exemple, les artistes constructivistes ont conçu des costumes très conceptuels dont le seul rapport avec les vêtements était qu'ils étaient portés par des êtres humains.

Finalement, les deux styles ont été reconnus comme valables, conduisant à un mélange de productions historiquement précises ou axées sur des concepts qui se poursuit au XXIe siècle.

Pratique courante

Les costumes de théâtre sont conçus pour soutenir le scénario. Si le réalisme ou l'historicisme sont au centre du texte, les costumes refléteront fidèlement les vêtements appropriés à l'époque ou à l'environnement. Les exemples incluent Henrik Ibsen Le maître bâtisseur , qui nécessite des vêtements du début des années 1890, ou celui de David Storey Le vestiaire , qui demande des uniformes et des vêtements de ville appropriés pour un groupe de joueurs de rugby du nord de l'Angleterre.

D'autres scripts nécessitent une approche plus fantaisiste. celui de Shakespeare La tempête doit être situé sur une île, mais cette île peut être n'importe où dans le monde. Prospero et Miranda peuvent habiter n'importe quelle période convenue par le réalisateur et l'équipe de conception.

Influence du costume sur la robe à la mode

Alors que le costume de cinéma influence souvent les vêtements à la mode, le costume de théâtre ne le fait presque jamais. Un film est vu par des millions de personnes à travers le pays au cours de la première semaine de sa sortie. En revanche, le théâtre moyen de Broadway ne peut accueillir que huit mille personnes au cours de la même période d'une semaine.

De plus, il y a typiquement un intervalle d'un an ou plus entre la fin du tournage et la sortie du film. Dans cet intervalle, les magazines de mode et autres périodiques peuvent publier des pages présentant les costumes, créant ainsi une demande des clients. Historiquement, les studios de cinéma, les fabricants, les grands magasins et les entreprises de patrons de couture ont conclu des partenariats pour promouvoir à la fois le film et les vêtements de prêt-à-porter (ou de prêt-à-coudre) inspirés par le film.

Un exemple classique est la robe Letty Lynton portée par Joan Crawford dans le film de 1932 du même nom. Plus de 500 000 exemplaires du design d'Adrian auraient été vendus à tous les prix dès l'ouverture du film. En 1967, les costumes de Theodora von Runkle pour Bonnie et Clyde a déclenché la tendance des styles de renaissance des années 1930 qui étaient si populaires à la fin des années 1960. Les costumes de Ruth Morley pour Diane Keaton produits Annie Hall sosies aux États-Unis et en Europe à la fin des années 1970.

Une autre raison pour laquelle il peut y avoir peu de relation entre les vêtements de théâtre et les vêtements de rue est l'échelle. Un costume est conçu pour être vu à une distance de trente ou quarante pieds. Les détails sont exagérés pour les rendre visibles. Le cinéma, en revanche, est en grande partie sur les gros plans. Les costumes de cinéma doivent être réels d'une manière que les costumes de théâtre réussis ne peuvent pas être.

Quelques exceptions existent, mais elles sont rares. Un costume rouge conçu par Patricia Zipprodt pour la production de Broadway de Neil Simon en 1969 Suite Plaza a ensuite été fabriqué pour Bergdorf Goodman. En 2002, Bloom-ingdale's a lancé une collection de vêtements grande taille basée sur les créations de William Ivey Long pour la comédie musicale Laque pour les cheveux.

Le public d'un événement théâtral est si petit par rapport au nombre de personnes qui assistent aux films qu'il est peu logique économiquement d'utiliser le théâtre comme source de conception. Les vêtements contemporains pour la scène peuvent refléter une tenue vestimentaire à la mode, mais ils ne l'influencent pas.

Besoins spéciaux

Les chaussures de danse ont besoin de flexibilité

Avant tout, un costume de théâtre est conçu pour le mouvement. Les emmanchures sont coupées plus haut que dans les vêtements fabriqués en série pour permettre à l'acteur de lever les bras sans que tout le vêtement ne suive. Les entrejambes sont coupés plus haut pour permettre les coups de pied sans fendre une couture.

Les costumes doivent être construits pour être suffisamment solides pour résister à huit portages par semaine pendant des mois, voire des années, avec un nettoyage ou un lavage peu fréquent. Si le script demande un changement rapide , c'est-à-dire que l'interprète effectue un changement complet de vêtements en moins d'une minute, le costume sera construit pour faciliter le changement. Pour changer de chemise rapidement par exemple, les boutons sont cousus au dessus des boutonnières. La chemise est maintenue fermée par des boutons-pression ou du ruban auto-agrippant afin qu'elle puisse littéralement être arrachée à l'artiste.

Les chaussures des danseurs doivent avoir des semelles suffisamment fines pour permettre à la danseuse de fléchir et de pointer son pied. Lorsqu'elle est fabriquée sur mesure, la peau de wapiti est le matériau de choix.

Tendances et développements

Les costumes de théâtre reposent en grande partie sur des fibres naturelles (coton, lin, soie et laine). Les synthétiques ne se manipulent pas et ne se drapent pas comme les fibres naturelles. Cela dit, cependant, le développement de nouveaux matériaux a eu un effet énorme sur l'industrie.

Avant la fin des années 1950, par exemple, les collants de danseuse étaient fabriqués à partir de coton élastique, donnés aux affaissements et aux sacs, ou ils étaient tricotés et sujets aux courses. L'invention du Lycra, du spandex et d'autres tissus extensibles dans les deux sens a éliminé ces problèmes. Le crin de nylon tressé peut être utilisé pour faire des fraises qui imitent les originaux en lin amidonné mais qui conservent leur forme une fois lavés.

Aucune entreprise ne fabrique des textiles exclusivement destinés à la confection de costumes. Le marché est bien trop petit. Les clients, cependant, sont extrêmement créatifs lorsqu'ils découvrent des utilisations théâtrales pour des produits conçus à d'autres fins. Veri-form, un nom de marque pour un type de feuille thermoplastique, par exemple, est un tissu à mailles en plastique à tissage ouvert utilisé par les chirurgiens orthopédistes pour les plâtres légers. Il fait d'excellentes armures et masques, est non toxique et facile à travailler.

Le filet en plastique utilisé pour ventiler les casquettes de baseball rend les crinolines indestructibles et peu coûteuses. La climatisation et d'autres types de mousse peuvent être coupés et sculptés pour former la sous-structure d'une mascotte légère ou d'autres costumes plus grands et plus larges que l'acteur à l'intérieur. Les graines pour oiseaux, enfermées dans un body, sont excellentes pour simuler le mouvement des seins tombants.

L'évolution la plus significative dans le domaine au cours des vingt dernières années a sans aucun doute été une prise de conscience accrue des questions de santé et de sécurité. Jusque dans les années 1970, les designers et les costumiers traitaient régulièrement les tissus avec des peintures, des solvants et des colles hautement toxiques sans aucune compréhension des risques encourus. Au XXIe siècle, non seulement des produits moins toxiques sont disponibles, mais les fiches signalétiques, les respirateurs, les cabines de pulvérisation et autres dispositifs de protection sont la norme.

Alors que les matériaux continuent d'évoluer et que les styles de conception de costumes entrent et se démodent, le principe reste constant. Comme l'écrivait Robert Edmond Jones en 1941, Un costume de scène est une création du théâtre. Sa qualité est purement théâtrale et prise hors du théâtre elle perd aussitôt sa magie. Il meurt comme une plante meurt arrachée (p. 91).

Voir également Acteurs et actrices, Impact on Fashion; Art et Mode ; Costume de ballet ; Maquillage théâtral.

Bibliographie

Bieber, Marguerite. L'histoire du théâtre grec et romain. Princeton, N.J. : Princeton University Press, 1961.

Cheney, Sheldon. Le théâtre : trois mille ans de théâtre, d'interprétation et de mise en scène. New York, Londres et Toronto : Longmans, Green and Co., 1952.

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