Mode latino-américaine

La robe et la mode latino-américaines font référence à la robe, au corps et à la culture d'une région culturelle mondiale vaste et hétérogène qui comprend le Mexique, l'Amérique centrale, les Caraïbes et l'Amérique du Sud. Étant donné que la nature de l'habillement en Amérique latine est très diversifiée, on peut se tourner vers les influences socio-historiques qui se chevauchent qui ont façonné la poursuite de l'élégance et transformé la dynamique de la vie quotidienne pour élucider certaines caractéristiques générales.

Amérique latine ancienne

Lorsque Christophe Colomb a revendiqué les îles de Cuba ainsi que la République dominicaine et Haïti pour l'Espagne en 1492, il a lancé la conquête des populations autochtones vivant dans la région connue sous le nom d'Amérique latine et des Caraïbes. Les premières images et récits d'indigènes américains qui ont circulé dans toute l'Europe révèlent beaucoup sur le sentiment d'admiration ressenti par les premiers colonisateurs. Ils voient la nudité des indigènes avec stupéfaction et s'émerveillent de la présence de biens matériels tels que des étoffes de coton, des plumes complexes et des tissages. Ce Nouveau Monde fournirait à l'Europe des biens matériels aussi variés que l'argent, l'or, le sucre, le chocolat, les textiles et les teintures. Le Portugal, impliqué dans sa propre poussée pour la puissance coloniale, défierait avec succès l'Espagne pour la région qui constitue le pays du Brésil. Alors que l'Espagne et le Portugal établissent rapidement des gouvernements coloniaux, les populations indigènes subissent les effets d'une conquête brutale, d'une maladie incurable et d'une conversion forcée au christianisme. Frère Bartolomé de Las Casas a sévèrement condamné les pratiques d'exploitation des conquistadors et des colons qui s'étaient tournés vers l'esclavage et d'autres formes de violence systématique pour établir des ranchs, des mines et des industries textiles.

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Pour maintenir un sens de la hiérarchie et répondre à l'augmentation de métis , ou le mélange racial, un système de castes a été établi dans toute la région. Avant la colonisation, les vêtements et les textiles avaient souvent servi d'indicateurs d'identité sociale et religieuse et de moyen d'échange. Le système des castes obligeait les indigènes et les esclaves africains à porter des vêtements de style occidental, renforçant ainsi l'autorité des Espagnols et des Portugais, et au fil du temps, de leurs descendants créoles. Certaines communautés autochtones ont exprimé leur histoire et leurs croyances religieuses à l'aide de systèmes de codage couleur complexes, comme on en trouve dans les textiles tissés ou les compilations de ficelles. De cette façon, le huipil du Guatemala et des hauts plateaux du Mexique ont mis les divinités du soleil et des enfers en dialogue avec la foi chrétienne. Encore porté aujourd'hui, ce chemisier traditionnel composant les Mayas costume , ou s'habiller, révèle des informations sur le village, le statut, l'héritage et les croyances personnelles d'une femme. Des fouilles récentes en Argentine et au Brésil indiquent les origines africaines et islamiques de certains bijoux trouvés près des sites de plantations et de manoirs urbains, suggérant que les accessoires n'ont peut-être pas été censurés par les autorités coloniales de la même manière que les vêtements. Comme l'indiquent les archives judiciaires, on pouvait porter presque n'importe quel design à condition qu'il soit spécifique au sexe. Le choix du tissu, cependant, était une affaire très sérieuse. Selon son statut social, une femme mexicaine du XVIIIe siècle aurait acheté soit une soie soit un coton rebozo , ou foulard. Des décrets interdisaient l'utilisation de certains textiles par ceux que le système des castes considérait comme inférieurs, entraînant ainsi l'interdiction du velours ou du taffetas pour les Incas spécialement façonnés unku s, ou tuniques, dans la région andine.

Indépendance et style vestimentaire

peinetón argentin

Au début du XIXe siècle, la région a connu plusieurs appels à l'indépendance de l'Espagne et du Portugal qui ont profondément affecté la façon dont les gens consommaient la mode. Pour Cuba et Porto Rico, cette lutte pour l'indépendance ne s'est matérialisée qu'à la fin du XIXe siècle, bien que la description de la mode et de la danse dans plusieurs œuvres littéraires ait commencé à tracer la fin de la domination espagnole et à construire des identités politiques alternatives. Dans l'imaginaire visuel de cette période, des chefs créoles tels que Simón Bolívar (Venezuela) et José de San Martín (Argentine) apparaissent dans des capes et des uniformes balayés par le vent de leur propre conception. De nombreuses femmes se sont retrouvées appelées à coudre les accessoires de guerre, leurs produits en vue et leurs identités cachées. Quelques-uns, parmi lesquels Juana Azurduy de Padilla (Bolivie) et Josefa Tenorio (Argentine), ont revêtu des uniformes masculins pour se battre sur le champ de bataille, arguant plus tard qu'ils méritaient un statut égal dans la société postcoloniale. S'éloignant des coutumes espagnoles, les femmes à la mode de Buenos Aires ont transformé la peigne , ou peigne à cheveux, dans l'Argentin de trois pieds sur trois pieds peineton afin d'affirmer leur présence et parfois d'entraver la sphère publique même qui professait l'indépendance de l'oppression mais qui, ironiquement, n'avait pas encore accordé tout le privilège de la citoyenneté. Dans les caricatures satiriques de l'époque, les crêtes agrandies des peignes féminins envahissent le centre-ville de Buenos Aires et dominent rapidement les hauts-de-forme des hommes.

Après le recul du colonialisme espagnol, la rhétorique de la mode a fourni un forum de discussions sur la configuration de l'identité nationale. Dans certains cas, l'écriture de mode a permis aux intellectuels de diffuser des agendas politiques importants et d'échapper aux censeurs. Dans la région du Cône Sud, le régime de Juan Manuel de Rosas a cherché à éliminer l'opposition politique en exigeant un insigne écarlate sur une veste , ou gilet d'homme, de tous les citoyens. Dans une violente poussée vers l'homogénéité, un décret interdit le bleu clair, couleur identitaire de l'opposition, et le vert, symbole bien connu d'espoir. Dans ce climat difficile, les mondains ont introduit un langage secret de fans, des encarts codés pour les hauts-de-forme et des gants révélateurs de messages, pour indiquer ce qui était dans l'esprit d'un porteur. S'appropriant des métaphores du domaine de la mode, en 1837, un groupe d'intellectuels argentins fonde un magazine de mode, intitulé Mode après l'audace La Mode qui avait servi de force d'opposition violente dans la France révolutionnaire. Utilisant des pseudonymes féminins et profitant du fait que peu d'entre eux associaient l'écriture de mode à la politique, ces pères fondateurs de l'Argentine moderne ont affirmé leurs idéaux urbains et démocratiques avant de s'exiler au Chili et en Uruguay voisins pour éviter les persécutions. Dans une exploration des dynamiques de civilisation et de barbarie dans son pays natal, Domingo Faustino Sarmiento, l'un des Mode les fondateurs de et un futur président argentin (1868-1874), prônaient un processus de consolidation qui dépouillait la nation de ses valeurs rurales traditionnelles, incarnées par le gaucho sans foi ni loi qui avait soutenu le pouvoir de Rosas ; L'objectif de Sarmiento était que le pays adopte un mode de vie urbain, et donc plus civilisé, plus propice aux objectifs du gouvernement en matière de croissance économique et de modernisation. Les booms économiques de la fin du XIXe siècle allaient valu à l'Argentine la réputation de Paris de l'Amérique du Sud, car son paysage urbain se transformait en une allusion au luxe, au consumérisme et au capitalisme international.

Les immigrés apportent la mode européenne

Avec l'afflux massif d'immigrants européens dans les villes d'Amérique latine au tournant du siècle, le luxe a pris un rôle frauduleux. Les membres des nouveaux riches et des nouveaux arrivants ont commencé à imiter les styles des classes supérieures afin de trouver du travail, tenant en haute estime les nouveautés de Paris. Avec l'émergence de la lithographie de mode, couturières , ou tailleurs, copiaient des dessins européens (parfois s'appropriant des styles pour le climat d'une région particulière), puis commandaient des couturières qui, endurant des conditions de travail misérables, reconstituaient les vêtements à l'aide de machines à coudre. Alors que la robe des femmes était devenue un peu plus flexible, elle incorporait toujours le corset et les jupes superposées et les trains qui nécessitaient des agitations. À mesure que les machines à coudre devenaient plus abordables, de nombreuses femmes ont choisi d'acheter des vêtements prêts à l'emploi ou de créer leur propre style, plus confortable, à la maison. Encourageant les lecteurs à envisager des conceptions individualisées et la perspective d'une émancipation féminine, Juana Manuela Gorriti (Argentine) et Clorinda Matto de Turner (Pérou) ont utilisé le langage de la fantaisie et de l'auto-transformation, ou écriture de mode, pour entrer dans un débat public sur le matérialisme et les femmes. autonomie économique.

Au cours du XXe siècle, la robe latino-américaine inspirera plusieurs modes en Europe et aux États-Unis, de la blouse à volants en dentelle inspirée de la rumba afro-cubaine, à la célèbre rumba mexicaine. huaraches , ou sandales en cuir tressé, au chapeau Panama en paille réellement créé en Equateur. Vogue et Voir a attiré l'attention sur les femmes latino-américaines avant-gardistes dont les visions de la haute couture, comme dans le cas d'Eva Perón (Argentine), et des dessins indigènes, évoquant la peintre surréaliste Frida Kahlo (Mexique) qui a incorporé le folklore chine poblana costume aux couleurs vives et avec une jupe ample dans ses autoportraits et dans la vraie vie, continuerait à résonner dans l'imaginaire populaire jusqu'à nos jours. D'autres déclarations de mode, plus contemporaines, ont eu tendance à revisiter le passé pour un effet rétro, comme la jeune cubano-américaine enfilant le guayabera , une chemise en coton brodée légère portée non rentrée dans les Caraïbes ; ou le zoot-suiter chicano, dont les appropriations en temps de guerre des costumes de son père ont inspiré la fierté ethnique face au racisme et à la brutalité ; ou l'adolescent du club portant des styles Inca-techno tout en dansant en discothèque.

Temps révolutionnaire

Mère de la Plaza de Mayo, 2008

La dernière partie du vingtième siècle a été témoin d'une réaction horrible contre les valeurs démocratiques lorsque des pays comme l'Argentine, le Chili et l'Uruguay ont installé des gouvernements militaires. Des codes de genre stricts imposaient des looks épurés pour les hommes et des styles féminins pour les femmes. En réponse aux violations des droits de l'homme et au sort des disparus (qui fait référence aux dizaines de milliers de victimes qui ont été tuées ou dont on ne sait toujours pas où ils se trouvent), les Mères de la Plaza de Mayo en Argentine ont commencé à manifester près d'un important monuments dans leurs robes du matin et leurs pantoufles, comme pour affirmer visuellement qu'ils n'avaient personne à qui s'occuper à la maison, car le régime avait enlevé leurs fils et leurs filles. Les Mères portent une écharpe blanche, brodée des noms de leurs proches disparus, lors de leurs marches hebdomadaires. Servant de monuments vivants pour les victimes de la répression, les groupes de mères au Salvador et dans le monde se sont appropriés ce même foulard blanc dans leurs luttes contre l'injustice sociale.

Les mouvements révolutionnaires de Cuba (1959- ) et du Nicaragua (1979-1990) ont marqué un tournant vers l'antimode socialiste, qui associait la poursuite élitiste du luxe au type de domination capitaliste qui créait des dépendances vis-à-vis des biens étrangers et exploitait les classes ouvrières. En effet, une grande partie de l'Amérique latine a connu un développement économique inégal tout au long du XXe siècle. Dans l'industrie du vêtement, les multinationales comptaient sur la main-d'œuvre bon marché des travailleurs indigènes pour le tissage, l'assemblage et la couture des vêtements. Mais ces dernières années, même le révolutionnaire Fidel Castro (Cuba) a parfois abandonné son camouflage pour les plaisirs vestimentaires d'un costume de créateur bleu foncé. Une prise de conscience accrue des conditions des ateliers de misère du maquiladora , les zones franches d'exportation établies dans les années 1960 qui continuent de fonctionner dans le cadre de l'Accord de libre-échange nord-américain (ALENA), ont parfois conduit les consommateurs à boycotter des collections spécifiques et à promouvoir un système de mode plus socialement responsable. Certains créateurs, comme Carlos Miele (Brésil), ont travaillé avec des femmes du favelas , ou bidonvilles, et diverses communautés indigènes à établir des coopératives qui assureront des salaires équitables pour leurs créations.

Style moderne

Répondant aux possibilités offertes par un marché mondial et des connexions Internet, les designers hispaniques Carolina Herrera (Venezuela), Oscar de la Renta (République dominicaine), ainsi que Beth Sobol (États-Unis) et Victoria Puig de Lange (Équateur), ont formé le Conseil des créateurs de mode latino-américains en 1999. Une Semaine de la mode des Amériques affiliée a établi une plate-forme internationale pour la mode et la culture latino-américaines. Dans les journaux, un nouveau mot a fait surface dans la culture populaire qui combinait mode et le suffixe espagnol -Son (impliquant, avec une teinte de sarcasme, un dévot). Le soucieux de sa tenue vestimentaire fashioniste parcouru les pages de style en constante expansion des journaux et des e-zines pour obtenir des informations sur de nouveaux talents comme Narciso Rodríguez (États-Unis), le célèbre créateur de la robe de mariée de Carolyn Bessette Kennedy, et affronté la prolifération des identités à la mode avec enthousiasme. Dans les centres urbains de São Paulo, Buenos Aires et Bogotá, des mannequins tels que Gisele Bündchen (Brésil) et Valeria Mazza (Argentine) ont promu des événements de mode nationaux avec un attrait international. Dans le même temps, des accords de libre-échange entre pays, comme le bloc Mercosur de la région du cône Sud, ont permis aux créateurs de mode de créer des organisations transnationales, telles que Identités latinos , pour accéder à de nouveaux marchés. Entre autres, les maisons de Laurencio Adot (Argentine), Alexandre Herchcovitch (Brésil), Ronaldo Fraga (Brésil), Rubén Campos (Chili), Silvia Tcherassi (Colombie), Sitka Semsch (Pérou) et Angel Sánchez (Venezuela) ont remporté de solides réputation dans la catégorie des vêtements pour femmes. Lina Cantillo et Ricardo Pava (tous deux colombiens) semblaient mieux connus pour leurs collections pour hommes. Fraga et Sylma Cabrera (Porto Rico) se sont fait remarquer dans les cercles de la mode pour leur attention aux vêtements pour enfants. Au XXIe siècle, la réputation des créateurs de mode latino-américains ne cesse de croître sur la scène mondiale de la mode.

Voir également Style latino.

Bibliographie

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