Costume de danse

Costume de danse médiévale

La relation entre la danse et les costumes de danse est complexe et ne reflète pas simplement la pratique de la danse à une époque donnée, mais aussi le comportement social et les valeurs culturelles. Les costumes de danse peuvent être divisés dans les catégories suivantes : costumes de danse historiques, folkloriques ou traditionnels, de bal, modernes et musicaux. L'influence s'est propagée de la mode à la danse et vice-versa.

Costumes de danse historiques

Du XVe au XVIIIe siècle, les festivités des cours européennes nécessitaient des costumes de danse très élaborés. Le style des costumes de danse de cour avait tendance à être similaire aux vêtements de tous les jours de l'époque, incorporant, par exemple, des corsets lacés, des manches bouffantes et coupées, des farthingales avec des jupes et des décorations appliquées. Au début du XXIe siècle, la reproduction de costumes de danse historiques était évidente dans les activités d'organisations de danse historiques, telles que l'Institut pour la pratique de la danse historique (IHDP) à Gand, en Belgique.

• Costumes de claquettes
• Costumes De Danse Mexicaine
• Tenues De Danse Contemporaine

Costumes de danse folklorique

Costume de danse folklorique bavaroise

A partir du XVe siècle, la danse folklorique se développe régulièrement en Europe. Le domaine des costumes de danse folklorique européenne est très complexe, car chacune des régions du pays a ses propres danses, vêtements et coutumes. Les danses folkloriques d'Europe de l'Est, telles que les czardas, les mazurkas et les polkas, se sont rapidement répandues en Angleterre et en France. Les costumes de danse folklorique reflétaient le look est-européen dans l'utilisation de couleurs vives sur des fonds sombres. Les costumes étaient souvent très décorés avec des perles, du métal et des fils de soie. La robe de base des femmes était une chemise courte de couleur claire et un jupon, sur lequel plusieurs couches de tissu étaient portées. Une coiffe drapée indiquait l'état matrimonial du porteur (un couvre-chef fantaisie indiquait que la fille n'était pas mariée). La danse folklorique européenne a constitué la base des activités de danse carrée. Les colons européens qui sont venus en Amérique ont introduit ce type spécial de danse country et son costume d'abord en Nouvelle-Angleterre, mais peu de temps après, la danse carrée a commencé à se répandre dans tout le pays. La tenue de soirée était la tenue standard des danseurs : des jupes à créoles jusqu'aux chevilles pour les femmes et des vestes formelles pour les hommes. Au cours des deux siècles suivants, le mélange culturel des colons européens en Amérique a conduit à une variété de costumes de danse folklorique nationale. Les vêtements de danse des fermiers et des cow-boys étaient principalement basés sur des éléments des vêtements de tous les jours : chemises, pantalons en coton et bottes de cow-boy pour hommes et robes en coton vichy jusqu'aux chevilles pour les femmes. Le menuet, la polka, la valse et le quadrille via la France et l'Angleterre ont apporté des costumes de danse plus élaborés en Amérique : des chemises à manches longues et des pantalons sur mesure dans un style occidental pour les danseurs masculins et des jupes et chemisiers entièrement brodés de fleurs pour les femmes. Des accessoires tels que des ceintures western, des cravates ou des foulards en soie complétaient la tenue de danse carrée.

À la fin des années 1990, des créateurs haut de gamme tels que Dolce & Gabbana, Roberto Cavalli et Miu Miu avaient créé un look de cow-boy urbain avec des robes d'inspiration occidentale ornées de motifs floraux sur des vêtements tels que des chemises de smoking et des jeans, comme ainsi que des bottes de cowboy traditionnelles à bout pointu.

Au début des années 2000, les danseuses carrées amateurs et professionnelles portent souvent des jupes à double tourbillon avec une alternance de volants dans le tissu et de larges dentelles blanches. La dentelle est utilisée sur le corsage et les manches, et un appliqué et un nœud sont cousus sur le ventre ajusté. Les danseurs carrés masculins portent des chemises de style cow-boy avec une écharpe nouée autour du col, des jeans à poches hautes et parfois un chapeau de cow-boy. Les poignets des pantalons sont généralement portés à l'intérieur des bottes de cowboy. Le livret United Square Dancers of America (USDA), Tenue de danse carrée , est probablement la meilleure ressource pour l'histoire des costumes de danse carrée.

Costumes de danse orientale

Les danseuses du ventre

La danse orientale, ou du ventre, tire son origine des mouvements en forme de serpent fournis par les sœurs d'une femme en train d'accoucher alors qu'elles tentaient de l'inspirer pour accoucher. En 1893, la danse orientale a été importée du monde arabe aux États-Unis à l'occasion de l'Exposition universelle de Chicago. Les tissus aux couleurs exotiques brodés de pierres semi-précieuses, de paillettes et de perles sont caractéristiques du style. Des hauts semi-transparents à franges révèlent le ventre et le nombril tandis que des soutiens-gorge et des jupes portefeuille se balancent en rythme au rythme de la musique du Moyen-Orient. Les ceintures à monnaie et les foulards sont des éléments essentiels de la tenue de danse orientale. Parfois, les danseuses du ventre se couvrent le visage d'un voile, surtout lorsque la danse est exécutée par un danseur masculin (travestis). Alternativement, des tuniques perlées et pailletées jusqu'au sol sont portées sur des pantalons de harem. Historiquement, les preuves indiquent l'influence cruciale de l'orientalisme islamique dans la mode européenne au cours du XXe siècle, à commencer par l'utilisation par le designer français Paul Poiret de la forme de la tunique et la mise à jour des styles à l'ancienne avec des sarouels exotiques et des voiles enroulés autour du corps dans les années 1920. . Dans les années 1990, les collections de prêt-à-porter et de haute couture de créateurs d'Europe occidentale et américains, tels que Miguel Adrover, Jean Paul Gaultier, John Galliano, Alexander McQueen et Rifat Ozbek, ont été influencées par les costumes de danse orientale. Farne-Tapper de Nancy Lindis

Langues vestimentaires au Moyen-Orient est une source détaillée sur la robe du Moyen-Orient dans le monde ancien et moderne.

Costumes de danse de salon

Danseurs de salon

Dès le début du XIXe siècle, les danses de salon ont été adoptées par un large public et des robes de soirée spéciales ont été conçues pour s'adapter à ces occasions. La valse, le fox-trot, la polka, la mazurka et la valse viennoise exigeaient un style élégant. Au XXe siècle, les costumes de danse pour le tango, le swing et le latin, le charleston, la rumba, le boléro, le chacha, le mambo et la samba étaient plus érotiques.

Costumes de danse moderne

Au début du vingtième siècle, les mouvements naturels d'Isadora Duncan sur scène ont marqué une nouvelle ère pour la danse. Le style de danse moderne de Duncan a été influencé par l'art grec, les danses folkloriques, les danses sociales et l'athlétisme. Les costumes fluides et les cheveux dénoués permettaient une grande liberté de mouvement de danse. Après la Première Guerre mondiale, des groupes de danse moderne ont émergé avec des danseuses majoritairement féminines. Au cours des décennies suivantes, des chorégraphes d'avant-garde, tels que George Balanchine et Martha Graham, et plus tard Merce Cunningham, Paul Taylor, Alvin Ailey et Pina Bausch, ont réformé et libéralisé la danse traditionnelle et ses costumes. S'éloignant des techniques de ballet traditionnelles, la danse moderne a donné naissance à une nouvelle ère de costumes. Les costumes et le maquillage ont pris une allure unisexe car les chorégraphes ont estimé qu'il était moins pertinent de différencier les danseurs féminins et masculins. Les décorateurs de théâtre ont expérimenté des costumes semi-nu : des T-shirts transparents et des shorts noirs pour les hommes et des corsages simples et des collants unis pour les femmes étaient les tenues standard.

En 1934, le chorégraphe de danse néoclassique George Balanchine a été le premier à habiller les danseurs de ballet avec des vêtements de répétition pour des représentations publiques. L'utilisation de non-couleurs caractérise les costumes de Balanchine, qui sont presque toujours en noir et blanc. Son sens du minimalisme sur scène s'est développé à travers le dévoilement de la nudité.

Robe de bal professionnelle et amateur

Danseurs de tango

Robe Tango :

Habituellement une pièce avec un haut moulant et une fente bas oscillante haute pour révéler la jambe. Des matières stretch sont utilisées pour garantir une silhouette ajustée. La robe de danse est souvent très décorée de strass, de perles, de paillettes et de paillettes.

Swing et robe latine :

Très similaire aux robes de tango, mais la ligne d'ourlet beaucoup plus courte rend la robe plus sexuelle et peut révéler toute la jambe. Les imprimés animaliers comme le tigre ou le léopard intensifient la connotation sauvage de ces robes.

Robe Valse et Fox-Trot :

Robe élégante d'une seule pièce souvent confectionnée dans des soies ou des satins légers et coûteux. Un style ample et long aux chevilles intensifie les mouvements doux de ces danses.

Robe Charleston :

La liberté de mouvement nécessaire était garantie par des robes-chemises jusqu'aux genoux brodées de perles de verre et de paillettes. La robe légère et les longues franges la faisaient swinguer rythmiquement selon les mouvements de la danse, qui faisait partie du style de vie des années folles et devint la danse américaine la plus populaire en Allemagne et en Europe ; merci en grande partie à Joséphine Baker, qui donna des représentations en 1927 avec son Charleston Jazz Band à Berlin.

Robe Polka et Mazurka :

Robe traditionnelle folklorique avec un motif imprimé coloré et généralement un chemisier paysan et une jupe portefeuille agrémentée de volants et de guirlandes opulentes. Au cours des années 1970, les blouses paysannes sont devenues très à la mode dans les vêtements de tous les jours, et des créateurs haut de gamme comme Emilio Pucci ont conçu des vêtements de style ethnique avec des broderies et des volants. Les blouses paysannes fleuries avec des ourlets à volants doux ont connu un renouveau à la fin des années 1990 lorsque des marques de créateurs telles que Yves Saint Laurent, Dolce & Gabbana, Moschino et Christian Dior ont créé un thème de mode folklorique.

Robe Rumba et Samba :

Avec des volants contrastés sur la jupe et les manches, cette robe est souvent conçue dans un style caribéen avec des couleurs vives.

Robe Cha-Cha :

Une robe deux pièces avec un haut moulant et un large décolleté aux épaules, tandis que la jupe est ample et volantée en bas. Les strass sont généralement attachés au tissu pour donner un effet glamour.

Martha Graham a été l'une des premières à promouvoir la danse sans pointes sur scène. Dans Détournement des anges (1948), elle habillait les danseuses de draperies et les hommes étaient presque nus. Les couronnes spéciales et les épingles à chapeau inspirées d'Isamu Noguchi par Graham sont devenues particulièrement célèbres dans le cadre du costume de danse moderne. Les nouvelles coupes aérées font apparaître les jupes et les robes de danse comme des pantalons, permettant une grande liberté de mouvement. Au début, les danses de Graham étaient exécutées sur une scène nue, ce qui soulignait le minimalisme dont elle faisait preuve dans les costumes. Plus tard, elle a également remplacé les tuniques de ballet traditionnelles des danseurs masculins et les tenues et tutus folkloriques des danseuses par des chemises droites, souvent sombres et longues, ou des justaucorps de répétition. Récipiendaire de la Médaille de la liberté en octobre 1976, Martha Graham a été la première danseuse à recevoir cette distinction.

Dans les années 1950, les costumes des chorégraphes de danse contemporaine orientés vers Balanchine et Graham, tels que Merce Cunningham et Paul Taylor, avaient tendance à continuer à mettre l'accent sur le style semi-nu, bien que les imprimés sur les justaucorps personnalisent le style de danse contemporaine individuel et ses costumes. En 1958, l'artiste Robert Rauschenberg crée des collants soyeux brillants mouchetés de pois arc-en-ciel pour Cunningham's Espace d'été. Les créations du chorégraphe et costumier Alwin Nikolais ont influencé la scène contemporaine avec des performances telles que Noumenon Mobile (1953) et Image (1963).

Costumes de danse musicale

Les preuves des théâtres musicaux remontent au XVIIIe siècle, lorsque deux formes de ce spectacle de chant et de danse ont émergé en Grande-Bretagne, en France et en Allemagne : les opéras ballades, comme celui de John Gay. L'opéra du mendiant (1728), et plus tard des opéras comiques, comme celui de Michael Balfe La fille bohème (1843). À cette époque, de nombreuses pièces de théâtre avaient de courts tirages et les costumes de scène étaient souvent basés sur la conception de vêtements de tous les jours. À la fin des années 1880, les opéras comiques ont conquis Broadway à New York et les pièces de théâtre, dont Robin des Bois , ont été conçus pour un public populaire. Des années 1880 aux années 1920, le genre comédie musicale a émergé à Londres, et des designers tels que Lady Duff-Gordon, connue sous le nom de Lucile, ont élaboré des costumes à la mode pour chanteurs et danseurs. Au début des années 1920, les techniques de claquettes ont été popularisées et des chaussures de claquettes spécialement conçues étaient disponibles sur le marché libre.

Hommes en collants : le danseur masculin

En Russie, les danseurs masculins sont très appréciés et la formation en ballet classique est généralement la base d'une carrière dans la danse. Bien qu'un intérêt croissant pour la danse existe parmi les garçons dans d'autres pays, beaucoup sont trop timides pour prendre des cours de danse et sont obligés de porter des collants, généralement considérés comme un vêtement féminin. Ainsi, certaines écoles de danse permettent aux jeunes garçons de s'exercer en tee-shirt et en short. Sous les vêtements d'entraînement, les danseurs portent généralement des suspensoirs, conçus pour isoler et soutenir les testicules. Alternativement, une ceinture de danse, un sous-vêtement spécialisé, peut être portée sous un collant. Dans les deux cas, la poche à l'avant est triangulaire, serrée et presque plate pour apporter soutien et forme lors des mouvements de danse. Le sujet de la masculinité dans la danse a reçu un traitement populaire dans des films tels que The Children of Theatre Street (1977) et Billy Elliot (2000). Le livre de Ramsay Burt, The Male Dancer, explore plus en profondeur le sujet de la masculinité dans la danse.

Chaussures de claquettes : des sons célèbres

Les origines de la danse à claquettes, un style de danse théâtrale américaine avec un jeu de jambes percussif, se trouvent dans les danses d'esclaves dans les États du sud qui ont incorporé le mouvement et le rythme africains dans les gigues et les moulinets européens au début du XIXe siècle. Les claquettes ont été adoptées dans les théâtres à partir de 1840, et le colmatage des chaussures à semelles de cuir est devenu de plus en plus populaire. À la fin-desiècle, au tournant du siècle, deux styles différents de chaussures de claquettes avaient été établis : les chaussures à semelles en bois rigides, également appelées buck-and-wing, rendues populaires par le duo Jimmy Doyle et Harland Dixon, et les chaussures souples chaussures à semelle en cuir popularisées par George Primrose. Dans les années 1920, des plaques de métal (robinets) avaient été fixées à des chaussures à semelle de cuir, ce qui produisait un son fort et aigu sur le sol. Dans les années 1940 et 1950, des danseurs tels que Fred Astaire, Paul Draper et Gene Kelly ont popularisé les claquettes auprès d'un public plus large par le biais des films hollywoodiens.

Dans les années cinquante, des comédies musicales comme Ma belle dame (1956) a surpris le public avec de nombreux changements de costumes. Le costumier Cecil Beaton avait créé des costumes mettant en valeur la transformation d'Eliza, le personnage principal, d'une simple marchande de fleurs en une dame de la société. En 1975, Michael Bennett Une ligne de choeur ouvert à Broadway, et les tenues d'aérobic et de danse sont devenues populaires sur scène et dans la vie de tous les jours. Des nuances lumineuses au néon en rose, vert et jaune dominaient la gamme de couleurs. Collants de danse, leggings, bandeaux et bracelets se répandent de la scène à la mode et vice versa. En 1988, la comédie musicale la célébrité , inspiré du film et de la série télévisée, ouvert à Londres et reflétant la mode des années 80, montrant des justaucorps et des shorts. Au début du XXIe siècle, la comédie musicale Bollywood d'A. R. Rahman Bombay Rêves (2002) a ouvert ses portes à Londres, et ses costumes indiens ont démontré l'influence ethnique sur la scénographie.

Voir également Danse et Mode ; Costume de ballet ; Musique et Mode ; Costume de théâtre.

Bibliographie

Balasescu, Alexandre. Téhéran Chic : foulards islamiques, créateurs de mode et nouvelles géographies de la modernité . Théorie de la mode 7 (2003) : 1.

Buonaventura, Wendy et Ibrahim Farrah. Serpent du Nil : femmes et danse dans le monde arabe. Northampton, Massachusetts : Interlink Publishing Group, 1994.

Burt, Ramsay. Le danseur masculin : Corps, Spectacle, Sexualités. Londres et New York : Routledge, 1995.

Carter, Alexandra. Le lecteur d'études de danse de Routledge. Londres et New York : Routledge, 1998.

Dodd, Craig. Le monde du spectacle du danseur. Londres : Breslich & Foss, 1981.

Lindisfarne-Tapper, Nancy et Bruce Ingham. Langues vestimentaires au Moyen-Orient. Surrey : Curzon, 1997.

Strong, Roy, Richard Buckle et Ivor Guest. Concevoir pour le danseur. Londres : Elron Press Ltd., 1981.

Ressources Internet

Comité d'éducation de United Square Dancers of America, Inc. Livret USDA B-018. Publications de l'USDA, 1997. Disponible sur http://www.usda.org .

Institute for Historical Dance Practice (IHDP) 2004. Disponible auprès de http://www.historicaldance.com .